TEMA 3: EL BARROCO

3.1 El Barroco musical: Introducción

3.1-ES.pdf
Adobe Acrobat Document 38.1 KB
3.1-EN.pdf
Adobe Acrobat Document 51.1 KB

3.2 El nacimiento de la ópera. 

3.2-ES.pdf
Adobe Acrobat Document 42.7 KB
3.2-EN.pdf
Adobe Acrobat Document 43.6 KB

AUDICIONES 3.2

Jacoppo Peri: "Euridice", acto 1, escena 2
peri-euridice-act1-scene2.mp3
MP3 Audio File 2.7 MB
Giuglio Caccini: "Euridice", acto 1, escena 2
caccini-euridice-act1-scene2.mp3
MP3 Audio File 4.9 MB

3.3 El aria, el aria da capo y otros tipos de arias.

3.3-ES.pdf
Adobe Acrobat Document 39.2 KB
3.3-EN.pdf
Adobe Acrobat Document 39.9 KB

3.4 La ópera (II): Italia, Francia e Inglaterra

3.4-ES.pdf
Adobe Acrobat Document 47.4 KB
3.4.-EN.pdf
Adobe Acrobat Document 49.8 KB

3.5 La música vocal religiosa luterana: el coral, el motete-coral, la cantata, la pasión y el oratorio.

3.5-ES.pdf
Adobe Acrobat Document 45.1 KB
3.5-EN.pdf
Adobe Acrobat Document 43.9 KB

AUDICIONES 3.5

Cantata 147 - J.S. Bach
cantata-147-bach.mp3
MP3 Audio File 3.0 MB

3.6 La música instrumental en el Barroco

3.6-ES.pdf
Adobe Acrobat Document 44.4 KB
3.6-EN.pdf
Adobe Acrobat Document 45.8 KB

EXPLICACIÓN 3.6: LA MÚSICA INSTRUMENTAL EN EL BARROCO

 

3.6.1. MÚSICA INSTRUMENTAL EN EL RENACIMIENTO Y BARROCO
A diferencia del Renacimiento en donde la función de los instrumentos era ser acompañantes del canto, durante el Barroco la música instrumental fue evolucionando considerablemente en muchos aspectos.

 

El Renacimiento es, por excelencia, la época de la música vocal (polifonía renacentista), sin embargo, en el Barroco, los instrumentos se independizan de la voz y se compone música para instrumentos solistas. Esto ya se venía haciendo un poco en el Renacimiento pero en el Barroco se torna realmente importante. Tal es así, que se escriben conciertos para solista y orquesta, o piezas importantes para instrumentos a solo, como el clave, el órgano, el violín, el violonchelo, la flauta, el laúd, etc.

 

3.6.2. LOS INSTRUMENTOS EN EL BARROCO
En este período los instrumentistas estaban ya muy cualificados para tocar pues mejoraron técnicamente respecto al Renacimiento. Los propios instrumentos también dieron un salto de calidad. Algunos lutieres (fabricantes) crearon instrumentos de cuerda frotada de gran calidad, que hoy día son piezas únicas de alto valor adquisitivo (Stradivarius, Guarnieri) o Ruckers en clavicémbalos.


Los órganos de iglesia experimentaron grandes mejoras, ampliándose sus tubos y sus registros, se activan con unos botones blancos que llevan a los lados del teclado y que sirven para tener más sonidos.


A su vez los teclados, con doble manual, uno superior y otro inferior, y el laúd tuvieron importancia como instrumentos de acompañamiento haciendo el bajo contínuo o como solistas.  La función de los instrumentos era no solo acompañar la voz como en el Renacimiento, sino sustituirla. En el Barroco se tiene más conciencia del timbre (cualidad del sonido por la cual se reconoce tal o cual instrumento) y de la combinación de timbres (orquestación) y texturas (contrapunto, imitación, homofonía, etc).

 

3.6.3. LA TEORÍA MUSICAL Y LA PRÁCTICA INSTRUMENTAL
Al haber músicos que analizaban la música a fondo, elaboraban teorías sobre diversos aspectos musicales tales como: la afinación de instrumentos, la tonalidad, la armonía, los acordes, el contrapunto, el arte de tocar instrumentos. Se favoreció y se desarrolló enormemente la práctica instrumental.

 

3.6.4. FORMAS MUSICALES MÁS IMPORTANTES
Algunas formas importantes de música instrumental se pueden clasificar según 2 periodos:
Hasta 1650 hay numerosos estilos:
   1. Obras en estilo imitativo continuo y discontinuo:

  • continuo  (fuga, fantasía, fancy, capriccio, ricercar, etc.)
  • discontinuo, es decir, en secciones (canzona, sonata).

   2. Obras en las que se da una melodía y se la varía (partita, passacaglia, chaconne,       partita coral, y preludio coral.
   3. Danzas. Si son varias, una detrás de otra, se llama "suite" al conjunto de ellas.
   4. Obras en estilo improvisativo, para teclado o laúd generalmente, (toccata, fantasía,   preludio).


Después de 1650 la música se caracteriza por ser, o de grupos de instrumentos, o de teclados.
  1. Música para teclados: toccata (preludio, fantasía); variaciones; passacaglia y chaconne; suite y sonata (después de 1700); arreglos de música litúrgica y corales luteranos.
   2. Música para ensemble (grupos): sonata (sonata da chiesa), suite (sonata da camera); concerto y sinfonía.

 

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO 3.6
1. ¿Qué función tenían los instrumentos en el Renacimiento?
2. ¿Qué instrumento caracteriza al Renacimiento?
3. ¿Qué independencia se da en el Barroco en relación a los instrumentos?
4. ¿Qué tipo de obras se escriben para instrumentos en el Barroco?
5. Nombra dos lutieres de cuerda de la época Barroca.
6. ¿Cómo mejoraron los órganos barrocos?
7. ¿De qué eran conscientes los músicos barrocos en relación a los instrumentos?
8. Nombra cuatro aspectos sobre los que se escribieron tratados teóricos
9. Nombra tres obras imitativas continuas que comiencen por “F”.
10. Nombra una obra en secciones.
11. ¿Qué es una suite y una fantasía?
12. ¿Cómo se agrupa la música después de 1650?
13. ¿Qué dos tipos de sonata surgen después de 1700?

 3.7 La música orquestal en el Barroco

3.7-ES.pdf
Adobe Acrobat Document 43.6 KB

ACTIVIDADES 3.7

3.8 La suite y  la sonata

3.8-ES.pdf
Adobe Acrobat Document 44.6 KB

AUDICIONES 3.8

Handel - Passepied de la Suite 1 - Música acuática
Handel-Passepied-suite1-water-music.mp3
MP3 Audio File 3.1 MB
Couperin - Les abeilles - (Las abejas)
Couperin-pieces-de-clavecin-book1-les-ab
MP3 Audio File 1.2 MB

3.9 El Barroco en España

3.9-ES.pdf
Adobe Acrobat Document 47.4 KB

3.10 Transición al Clasicismo: El Estilo Galante

3.10-ES.pdf
Adobe Acrobat Document 48.7 KB

AUDICIONES 3.10

Audición 1: Carl Philippe Emmanuel Bach - Sinfonía en Si bemol Mayor, Primer movimiento
cpe.bach.mp3
MP3 Audio File 5.4 MB
Audio 2. C.P.E. Bach: segundo movimiento de la sonata H 186.
C.P.E.Bach.sonata-H186-second-mov.mp3
MP3 Audio File 3.8 MB

 3.11 El bajo cifrado y el bajo continuo (Tema opcional)

EXPLICACIÓN 3.11: EL BAJO CIFRADO y BAJO CONTINUO

EL BAJO CIFRADO Y BAJO CONTINUO

El bajo cifrado es un sistema de cifras escritas para tocar acordes sin que haya que escribir todas las notas en la partitura. Se usaba en el Barroco en las partituras de instrumentos que hacían el acompañamiento musical, llamado continuo, tocado por un clave generalmente.

 

Consiste en que, debajo de una línea melódica de bajo, como podría ser un violonchelo, fagot etc., se escribían cifras para que el continuo hiciera los acordes indicados por las cifras, además de improvisar.

 

A modo general y sin entrar en detalles, consiste en escribir un número debajo de la nota más grave de un acorde.  Ese número indica las notas que forman el acorde que va a sonar sobre la nota más grave.

 

Así, un DO con un 5 debajo, indica que se toca el DO (nota escrita en el pentagrama), y además se toca la 5ª nota desde el DO, es decir, el SOL.

 

Por otra parte, además de la 5ª nota mencionada se toca también la 3ª desde el DO, o sea el MI. ¿Porqué razón se toca el MI si no hay ninguna cifra que lo indique? La respuesta es que la 3ª del acorde nunca se cifraba cuando había un 5 arriba porque se aceptaba que todos los acordes llevaban la 3ª, y como siempre la llevaban no hacía falta cifrarla con un 3.


Algunos cifrados son: el 5, el 6, el 3 debajo de un 6, el 4 debajo de un 6, y otros más. Cuando hay más números se realizan (tocan) todas las notas que indican esos números. Siempre contando a partir del bajo.

 

Atención, la 3ª del acorde solo no se cifra cuando hay un 5 solo, o un 6 solo, ya que en este último caso el bajo es la tercera y el 6 es la fundamental.

 

Ejemplos resueltos:

¿La nota RE con un 5 debajo, que significaba?

  • Respuesta: significaba que había un acorde y que se tocaba la 3ª (que no aparece en el cifrado por ser la 3ª del acorde) y la 5ª contando a partir del RE. Las notas realizadas eran: RE FA LA (1ª, 3ª y 5ª).

¿La nota RE con un 6,3 debajo, que significaba?

  • Respuesta: significaba que había un acorde y que se tocaba la 4ª y la 6ª contando a partir del RE. Las notas realizadas eran: RE FA SI (1ª, 3ª y 6ª).

PREGUNTAS

  1. ¿La nota MI con un 5 debajo, que significaba?
  2. ¿La nota SOL con un 5 debajo, que significaba?
  3. ¿La nota LA con un 6,3 debajo, que significaba?
  4. ¿La nota MI con un 6,3 debajo, que significaba?
  5. Poner un ejemplo de 6,4.
  6. ¿Qué tienen en común las notas de los acordes que se forman al realizar los cifrados de la foto 1?

 

LA 3ª DE LOS ACORDES. La 3ª no se cifra en cuando hay un 5.

Foto 1: Bajo cifrado
Foto 1: Bajo cifrado
Foto 2: Notas realizadas del bajo anterior. Son las que tocaría el intérprete.
Foto 2: Notas realizadas del bajo anterior. Son las que tocaría el intérprete.

En este ejemplo                En este ejemplo          En este ejemplo

la 3ª va entre                    la 3ª no se cifra           la 3ª no se cifra

paréntesis y podría           y así se solía               pero se ve que va

no cifrarse                        escribir                       sostenida

Foto 3: Cifrado del acorde fundamental
Foto 3: Cifrado del acorde fundamental
Foto 4: Realización del acorde fundamental de la foto 3.
Foto 4: Realización del acorde fundamental de la foto 3.

TEMA 4: EL CLASICISMO

4.1 - El Sturm und Drang. Introducción al Clasicismo.

El Sturm und Drang. El clasicismo y la Ilustración
4.1-EL-CLASICSIMO-Y-LA-ILUSTRACIÓN.pdf
Adobe Acrobat Document 30.4 KB

EXPLICACIÓN 4.1: EL STURM UND DRANG. INTRODUCCIÓN AL CLASICISMO

EL STURM UND DRANG

El nombre "Sturm und Drang" (tormenta e ímpetu) es un movimiento literario alemán que se propaga a las otras artes. En música viene a ser la prolongación del Empfindsamer Stil. En él, la música se concibe no ya como divertimiento sino como expresión intensa de sentimientos, de desahogo del corazón y del alma.

 

Se usan las tonalidades menores para mostrar aspectos sombríos. También se usan las dinámicas contrastadas y los silencios expresivos. El Sturm und Drang es para algunos una fase tardía del Empfindsamer Stil y sucede en la década del 1770. Se reconoce este estilo en obras de J. Haydn (sinfonías 44, 45 , 47), J.C. Bach (Sinfonía en sol menor opus 6, nº6) y W.A. Mozart (Sinfonía en Sol menor, K.183) entre otros.

 

EL CLASICISMO  Y LA ILUSTRACIÓN

El período que comienza en la segunda mitad del XVIII y que dura aproximadamente hasta 1820 se caracteriza, en las artes, por tener sencillez, simetría, proporción, equilibrio y unidad. Estas características también se aplican en música. Así, la obra musical crea expectativas en el oyente que al cumplirse hacen entendible la música para un gran público. Estas características se dan en el Clasicismo, cuyos máximos representantes fueron Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart. Algunas de las obras de Ludwig Van Beethoven se incluyen en este período.

 

Con la Ilustración, época del el auge de las ciencias aplicadas, de los derechos igualitarios, la libertad del individuo y la educación universal, surge la Revolución francesa en 1789.

Las ideas del racionalismo, que sostiene que el hombre obtiene el conocimiento verdadero a través de la razón, se hacen sentir también en la música. Así, las obras son pensadas con estructuras bien definidas.

 

Estilo clásico en música

En cuanto a las características musicales destacan, entre otras:

  • Melodía con gran protagonismo. Es cantable incluso cuando es compuesta para instrumentos. Las frases son simétricas en muchos casos. En cuanto a la forma de las melodías clásicas, estas muchas veces tienen una estructura muy característica: 8 compases en 2 frases de 4 compases cada una. Tanto el ritmo como la armonía se simplifican en relación al Barroco.
  • Ritmos regulares que crean una expectativa en el oyente, que al cumplirse hace entendible la música. Muchas veces se usan ritmos simétricos y acentos regulares.
  • Auge de la sonata (tipo de obra en tres o cuatro movimientos) y la forma sonata (tipo de la forma que suele tener el primer movimiento de la sonata)
  • El abandono del bajo continuo. El recitativo se acompaña con la orquesta (recitativo accompagnato) en lugar de con el clave (recitativo secco).
  • Predominio de la música instrumental.

 

Los instrumentos

El clave decae en favor del piano a partir de 1790 por tener este último más volumen sonoro. Lo mismo le sucede a la viola da gamba en favor de violas y violonchelos.

  • Se incluye el clarinete.
  • Las orquestas crecen en cantidad y el grupo de cuerda es más ligero, dinámico y vivaz que en el Barroco. El número de integrantes solía ser: 6,6,2,3,1, en violines primeros, violines segundos, violas, chelos y contrabajos respectivamente.
  • Los vientos madera eran aún inestables por las transformaciones mecánicas, se usaban para variar el timbre de las cuerdas.
  • Las salas de concierto son más grandes y mejores.
  • Otros instrumentos son: flautas y oboes, trompas, trompetas, fagotes y timbales
  • Destaca el cuarteto de cuerda en la música de cámara.

 

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO

  1. ¿Qué es el Sturm und Drang y dónde surge?
  2. ¿Qué pretende transmitir una obra musical del Sturm und Drang?
  3. ¿Qué años abarca el Clasicismo musical?
  4. Nombra 4 características comunes a las artes del clasicismo.
  5. ¿Qué dos compositores sobresalieron en este período?
  6. Nombra 2 características de la Ilustración.
  7. Según los racionalistas ¿de dónde obtiene primordialmente el hombre el conocimiento?
  8. ¿Cómo se distribuye la frase musical en el Clasicismo?
  9. ¿Qué característica musical es la gran protagonista del Clasicismo?
  10. ¿Cómo suelen ser los ritmos del Clasicismo?
  11. ¿Qué diferencia hay entre sonata y forma sonata?
  12. ¿Qué característica instrumental barroca deja de usarse en el Clasicismo?
  13. ¿Qué dos instrumentos caen en desuso?
  14. Haz una lista de los instrumentos de la orquesta clásica, separada por familias.

ACTIVIDADES 1

  1. ACTIVIDADES 4.1 DE COMPRENSIÓN DE TEXTO
    • Responder a las preguntas de la EXPLICACIÓN 4.1  copiando enunciados.
  2. ACTIVIDADES DE RECUPERACIÓN (se hacen en casa y se entregan a parte)
  3. ACTIVIDADES DE AMPLIACIÓN (se hacen generalmente en casa)
  4. ACTIVIDADES DE DINÁMICAS DE GRUPOS (se hacen en grupos, en clase)
  5. ACTIVIDADES PARA BILINGÜES (se hacen en clase)

 

 

ACTIVIDAD DE AMPLIACIÓN Visita: http://www.classicalworks.com/his.pages/timeline.html y busca la época clásica.

AUDICIONES 1

STURM UND DRANG

MOZART

https://www.youtube.com/watch?v=2VD1SqWQXrE
MONN

http://www.youtube.com/watch?v=7lC1lRz5Z_s&feature=kp

JOHANN CRISTIAN BACH

https://www.youtube.com/watch?v=YCLb4Qx1Ne8

 

CLASICISMO

MOZART

Serenade:

https://www.youtube.com/watch?v=Qb_jQBgzU-Ihttps://www.youtube.com/watch?v=16Rn-uhmcRU

 

 

HAYDN

Cuarteto Emperador (explicado en inglés, minuto 10): https://www.youtube.com/watch?v=aHJolteDIzc

 

Cuarteto Emperador, 2º movimiento: https://www.youtube.com/watch?v=mBmCcSz6HWw

BEETHOVEN

Sinfonía nº1: https://www.youtube.com/watch?v=6Pr6Wvqz8FYTambién la música de cámara: op. 1, op.5, op.12, op 20



 

4.2 - La primera escuela de Viena: Haydn, Mozart y Beethoven

La primera escuela de Viena
4.2-LA-ESCUELA-DE-VIENA.pdf
Adobe Acrobat Document 26.7 KB

EXPLICACIÓN 4.2: LA PRIMERA ESCUELA DE VIENA

LA PRIMERA ESCUELA DE VIENA

El centro musical se desplaza a Viena y es en esta ciudad dónde trabajaron tres de los más grandes compositores de la época aunque ninguno de ellos haya nacido allí: Haydn, Mozart y Beethoven. Se les conoce como la Primera Escuela de Viena por el hecho de coincidir más en el tiempo que en un esfuerzo colaborativo. Haydn nace en 1732 y vive hasta los 77 años mientras Mozart nace en 1756 y muere a los 35. Beethoven por su parte nace en 1770.

 

Los compositores en esta época aún no son independientes como lo serán en el Romanticismo y dependen aún del patronazgo de nobles, reyes o figuras eclesiásticas. Esperan que su música guste y se interprete con éxito comercial. De los tres, Beethoven fue el más independiente económicamente.

 

HAYDN

Fue el último de los grandes compositores que vivió bajo el patronazgo de la nobleza. Trabajó casi toda su vida para el conde de Eszterhazy en Hungría y en Viena. Se le conoce como el padre de la sinfonía, no por haberla inventado sino porque fijó su estructura y le dio una gran profundidad. Compuso más de 100 sinfonías y numerosa música de cámara. Al igual que Handel pasó algunos años en Londres en donde tuvo gran éxito.

 

MOZART

Fue niño prodigio, tocaba con gran soltura el clave y el violín a los ocho años de edad. Compuso su primera ópera a los doce. Tuvo una vida corta aunque fecunda en obras, plasmadas en sinfonías, conciertos, sonatas, óperas, música de cámara, música religiosa y obras para bodas, bautizos y fiestas a las que llamó "serenades" y "divertimentos". Murió muy joven en la más absoluta pobreza y enterrado en una fosa común.

 

BEETHOVEN

Músico independiente que no cedía ante ningún patrón. Manejó sus asuntos financieros con sabiduría. Conoció a Haydn, con quien tuvo algunas lecciones y a Mozart, quien le auguró un brillante futuro. Fue la bisagra entre el Clasicismo y el Romanticismo por pertenecer a ambos períodos. Encarnó la figura de la victoria de la burguesía frente a la aristocracia. Creó un estilo muy personal que influenció a posteriores compositores. Su estilo hacía que la música fuera un modo de autoexpresión, con énfasis en lo impulsivo, lo revolucionario y lo misterioso, aspectos que forman la base del Romanticismo. Murió enfermo, probablemente de una enfermedad hepática.

 

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO

  1. ¿Cuál es el centro musical europeo más importante del Clasicismo?
  2. ¿De quién dependen los músicos para componer?
  3. ¿Para quién trabajó Haydn casi toda su vida?
  4. ¿En qué género musical destacó Haydn sobre todo, y por qué motivo?
  5. ¿En qué fecha nace Mozart?
  6. ¿Enumera los géneros musicales en los que Mozart trabajó?
  7. ¿Por qué Beethoven es como una "bisagra"?
  8. ¿Cómo era el estilo de Beethoven y en qué ponía énfasis?

ACTIVIDADES 4.2

  1. ACTIVIDADES 4.2 DE COMPRENSIÓN DE TEXTO
    • Responder a las preguntas de la EXPLICACIÓN 4.2 copiando enunciados.
  2. ACTIVIDADES DE RECUPERACIÓN (se hacen en casa y se entregan a parte)
  • Elabora un Mapa mental de las BIOGRAFÍAS los tres compositores de la Primera Escuela de Viena. Indica fechas y eventos importantes en sus vidas, además de las obras más significativas.
  1. ACTIVIDADES DE AMPLIACIÓN
  2. ACTIVIDADES DE DINÁMICAS DE GRUPOS (se hacen en grupos, en clase)
  3. ACTIVIDADES PARA BILINGÜES (se hacen en clase)

AUDICIONES 4.2

  1. Escena de "Amadeus" cuando Salieri ve las partituras de Mozart. (En inglés)
  2. Escena de "Amadeus" cuando Salieri le regala su obra al Emperador y viene Mozart. (En español)

 

MOZART: Concierto Nº5 para violín y orquesta

https://www.youtube.com/watch?v=6jjKBaEQh1k

4.3 - La sonata clásica y la forma sonata

La sonata clásica
4.3-LA-SONATA-CLÁSICA.pdf
Adobe Acrobat Document 28.7 KB

EXPLICACIÓN 4.3: LA SONATA CLÁSICA Y LA FORMA SONATA

LA SONATA CLÁSICA

La sonata clásica, como se encuentra en Haydn, Mozart y Beethoven, es una obra musical que generalmente tiene 3 o 4 movimientos de modos y tempos contrastantes. Sus tempos (velocidades) son rápido - lento - rápido, es decir, un Allegro, Andante y Presto, o bien un Allegro, Adagio, Allegretto, etc. Si hay 4 movimientos suele haber un minueto en uno de los movimientos centrales. El minueto era una danza barroca en compás ternario.

 

LA FORMA SONATA: PARTES Y EVOLUCIÓN

En 1787 se describe que el primer movimiento de la sonata tiene 2 secciones. Son estas 2 secciones las que posteriormente recibieron el nombre "forma sonata". Es importante no confundir "sonata" que es la obra entera,  con "forma sonata" que es la forma que tiene el primer movimiento de la sonata.

 

Partes de la forma sonata

  • La forma sonata tiene 2 partes (A y B) cada una puede, o no, repetirse.
  • La segunda parte, la B, con los años, evolucionó y se dividió en dos partes. Así, debido a esta tripartición en total, desde 1830 hasta hoy, se acepta que la forma sonata tiene 3 partes o secciones. La forma sonata es una forma tripartita, sus partes son: 

Exposición (parte A)

Desarrollo y Reexposición (parte B)  

 

Evolución de la forma sonata a partir de la danza barroca

Las dos partes (A y B) mencionadas son las dos partes que tenían las danzas de la suite barroca, cuyo esquema musical era:

  • |: parte A :|  cuyo tema comienza en la tónica y termina en dominante. Se repite.
  • |: parte B :|  cuyo tema comienza en la dominante y termina en tónica. Se repite.

(El signo |: :| significa que se repite la sección)

 

Estas danzas en dos partes tenían un solo tema, eran monotemáticas. El equivalente al esquema anterior en la forma sonata clásica es:

  • La primera parte (A) tiene 1 período o sección. (Exposición)
  • La segunda parte (B) tiene 2 períodos o secciones. (Desarrollo y reexposición)

¿Cómo se llegó a esta situación desde la danza barroca?

Se deduce que la parte B de la danza barroca se alargó hasta transformarse en dos períodos o secciones. Cuando se dio este alargue las sonatas aún tenían solo un tema, pero alrededor de 1730 se comienzan a ver esbozos de segundos temas en las sinfonías. Su evolución fue de esta manera:

  • parte A:  |: tema 1 en tónica  - tema 2 en dominante :|
  • parte B:  |: tema 1 en dominante  - tema 2 en tónica :|

Posteriormente, en la parte B surge un pequeño período de transición al repetirse el tema 2 en tónica y volver al tema 1 en dominante. Quedando así:

  • parte A:  |: tema 1 en tónica  - tema 2 en dominante :|
  • parte B:  |: período de transición - tema 1 en dominante  - tema 2 en tónica :|

Ahora sí se aprecia, al comparar que la forma sonata es en 3 secciones (pues tiene un periodo más) y con 2 temas. Forma tripartita bitemática. 

 

Evolución final en el Clasicismo

Los tres períodos o secciones de la forma sonata (con sus temas y repeticiones) se llaman:

  • Exposición     (tema 1 + puente + tema 2)  se repite todo
  • Desarrollo      (período de transición)
  • Reexposición  (tema 1 puente + tema 2) se repite desde el Desarrollo.

A veces suele haber un puente entre los temas, y una "Coda" ("cola" en italiano) que es una pequeña parte extra, al final de cada sección.

 

Con Beethoven la forma sonata llega a su culminación al incorporar nuevos elementos en el Desarrollo. Este tipo de esquema musical se usará también para el primer movimiento de las sinfonías.  No todas las sonatas tienen forma sonata en el primer movimiento. La sonata nº 11 de Mozart tiene forma de tema y variaciones en su primer movimiento.

 

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO

  1. ¿Cuántos movimientos tiene la sonata clásica?
  2. ¿Qué contrasta en los movimientos de la sonata clásica?
  3. ¿Qué recibe el nombre de forma sonata?
  4. ¿Cuántas partes o secciones se acepta que tiene la forma sonata?
  5. ¿De dónde evoluciona la forma sonata que conocemos hoy?
  6. ¿Cuántas secciones y temas tienen la danzas barrocas?
  7. ¿En qué parte de la danza surge el período de transición que posteriormente se llamará Desarrollo?
  8. Nombra los 3 períodos o secciones de la forma sonata.
  9. ¿Qué es una coda?
  10. ¿Qué otra forma musical suele usar la forma sonata?

ACTIVIDADES 4.3

  1. ACTIVIDADES 4.3 DE COMPRENSIÓN DE TEXTO
    • Responder a las preguntas de la EXPLICACIÓN 4.3 copiando enunciados.
    • Haz un esquema con números y letras para explicar la evolución de la forma sonata desde el Barroco hasta el Clasicismo.
  2. ACTIVIDADES DE RECUPERACIÓN
    • En una hoja dibuja el esquema de la forma sonata, explicando sus partes.
  3. ACTIVIDADES DE AMPLIACIÓN
    1. Escribe la escala de Do Mayor
    2. Escribe la escala de Sol Mayor
    3. Busca las tónicas y las dominantes de ambas escalas
  4. ACTIVIDADES DE DINÁMICAS DE GRUPOS (se hacen en grupos, en clase)
  5. ACTIVIDADES PARA BILINGÜES
    1. Watch the videos explaining sonata-form: https://www.youtube.com/watch?v=XcQWw4kzW_s
    2. https://www.youtube.com/watch?v=L7PfGTtUC84
    3. listen to this video and make a 10 line comment about it.

AUDICIONES 4.3

A) Escucha varias veces el primer movimiento de la sonata nº16 de Mozart ya sea siguiendo el esquema de la forma sonata ya sea siguiendo los pentagramas de los diversos temas. Responde a las preguntas.

 

MOZART SONATA nº 16 (forma sonata):

 

B) Escucha la sonata nº 11 de Mozart y trata de seguir el tema inicial cuando suenen las variaciones.

 

MOZART SONATA  nº 11 (forma de tema con variaciones):

C) FOR BILINGUAL GROUPS: listen to this video and make a 10 line comment about it.

 

SONG EXPLAINING SONATA FORM IN ENGLISH

  1. Listen to the song: https://www.youtube.com/watch?v=L7PfGTtUC84
  2. Copy the lyrics of the song and numer all its verses.
  3. Draw a rectangle divided in three parts and put the numbers inside according to the explanation in La Forma Sonata (Foto 2)

 

 

Foto 1: Sonata K. 545
Foto 1: Sonata K. 545
Foto 2: Fuente: http://pianocolectivo.blogspot.com.es/2013/01/analisis-sonata-k545-mozart.html
Foto 2: Fuente: http://pianocolectivo.blogspot.com.es/2013/01/analisis-sonata-k545-mozart.html
Partitura del primer movimiento de la sonata nº 16, K.545 de Mozart
IMSLP93800-PMLP01855-Mozart_sonata_no_16
Adobe Acrobat Document 87.5 KB
Tema A en la Exposición
Tema A en la Exposición
Tema A en la Reexposición
Tema A en la Reexposición
Tema B en la Exposición
Tema B en la Exposición
Tema B en la Reexposición
Tema B en la Reexposición

4.4 - El cuarteto y el quinteto de cuerdas

El cuarteto y el quinteto de cuerdas
4.4-EL-CUARTETO-DE-CUERDA.pdf
Adobe Acrobat Document 21.4 KB

EXPLICACIÓN 4.4: EL CUARTETO Y EL QUINTETO DE CUERDAS

EL CUARTETO DE CUERDA

La idea musical para cuarteto de cuerda se basa en ser música escrita a cuatro partes solistas relativamente independientes y equilibradas en las que hay un diálogo entre ellas. Los instrumentos del cuarteto de cuerdas son dos violines, una viola y un violonchelo.

 

Es a partir de Haydn cuando la música para cuarteto de cuerda adquiere importancia. Con Haydn el cuarteto queda perfectamente definido como género. En ellos el compositor usa la forma sonata, establece la forma en 4 movimientos siendo el minueto el tercero de ellos, amplía las fronteras armónicas (op 76, 2º movimiento) y lo más importante es que los cuatro instrumentos tienen la misma importancia en el desarrollo de los temas.

 

Algunos cuartetos importantes de Haydn son los opus (obras) 33, 54, 55 y 64 llegando a su esplendor en los opus. 76 y 77.

 

Mozart, quien admiraba enormemente los cuartetos de Haydn, compuso 6 cuartetos en honor a este, y aunque era un genio de la música de cámara sus cuartetos no superan a sus quintetos. No obstante, los cuartetos de Mozart demuestran una gran madurez artística al asimilar la esencia de Haydn sin ser un mero imitador de este.


EL QUINTETO DE CUERDA O CON OTRO INSTRUMENTO

El quinteto de cuerda es un cuarteto con otro instrumento más, que suele ser una viola  (quinteto de viola), o un violonchelo (quinteto de violonchelo) o menos común, un contrabajo. Otras opciones son con clarinete o piano. Como curiosidad, Haydn nunca compuso un quinteto de cuerdas.

 

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO

  1. ¿Quién o qué dialoga en un cuarteto de cuerda?
  2. ¿Qué instrumentos forman un cuarteto de cuerda?
  3. ¿Cuándo adquiere importancia el cuarteto de cuerda?
  4. Nombra 3 aspectos que hacen importante al cuarteto en Haydn.
  5. ¿Qué  es un opus y cuáles en Haydn son importantes?
  6. Explica los cuartetos de Mozart en relación a los de Haydn.
  7. ¿Qué es un quinteto de cuerda?
  8. Nombra los instrumentos de dos tipos de quinteto.

ACTIVIDADES 4.4

  1. ACTIVIDADES 4.4 DE COMPRENSIÓN DE TEXTO
    • Responder a las preguntas de la EXPLICACIÓN 4.4 copiando enunciados.
  2. ACTIVIDADES DE RECUPERACIÓN (se hacen en casa y se entregan a parte)
  3. ACTIVIDADES DE AMPLIACIÓN (se hacen generalmente en casa)
  4. ACTIVIDADES DE DINÁMICAS DE GRUPOS (se hacen en grupos, en clase)
  5. ACTIVIDADES PARA BILINGÜES (se hacen en clase)
  6. ESCRITURA MUSICAL:
  • Descargar el pdf del Quinteto de Boccherini de la Musica Notturna.
  • Observar las claves de cada instrumento: Se ven las 3 claves existentes: Sol, Do y Fa (la más grave). La viola lee en clave de DO en 3ª línea. Leer las notas de cada parte.
fOTO1: Quinteto de cuerdas
fOTO1: Quinteto de cuerdas
Boccherini - Quinteto - Musica Notturna delle Strade di Madrid
IMSLP204974-PMLP68291-Musica_Notturna_de
Adobe Acrobat Document 43.2 KB

AUDICIONES 4.4

HAYDN: CUARTETOS DE CUERDA

 

MOZART: CUARTETOS DE CUERDA

          segundo movimiento (minuetto) en el 9'00; allegro assai en el 20'44.

MOZART: QUINTETOS DE CUERDA O CON CLARINETE

 

HAYDN: QUINTETOS DE CUERDA CON PIANO

 

BOCCHERINI:

HAYDN. CUARTETO DE CUERDA, OP. 76, Nº4 (AMANECER)

COMIENZO DE LA EXPOSICIÓN: COMPÁS 1

FIN DE LA EXPOSICIÓN: COMPÁS 68 (barra de repetición)

COMIENZO DEL DESARROLLO: COMPÁS 69

COMIENZO DE LA REEXPOSICIÓN: COMPÁS 108

4.5 - La música sinfónica del clasicismo

La música sinfónica del Clasicismo
4.5-LA-SINFONÍA.pdf
Adobe Acrobat Document 38.3 KB

EXPLICACIÓN 4.5: LA MÚSICA SINFÓNICA EN EL CLASICISMO

LA MÚSICA SINFÓNICA EN EL CLASICISMO

La sinfonía clásica tiene sus orígenes en el período Barroco. En Italia existía como una obra antes de la ópera, se llamaba obertura. Posteriormente, esta obertura se fue ampliando tanto en extensión, de 3 a 4 movimientos, como en su temática.  Otras sinfonías iniciales se parecen a la sonata de iglesia (sonata da chiesa) que comenzaba con un movimiento lento y proseguía con tres movimientos más en la misma tonalidad.

 

HAYDN

Con Haydn la sinfonía adquiere prácticamente la forma tal cual la conocemos hoy, en 4 movimientos. Compuso más de 100 sinfonías, algunas, las primeras, con técnicas de concerto grosso en los violines (concertino y ripieno) al estilo barroco, en otras mostrando el estilo "Sturm und drang", así como la forma sonata en movimientos lentos y el rondo-sonata en el último movimiento.

 

Muchas de las sinfonías de Haydn tienen nombres como "La mañana", "El reloj", "Los adioses", "La sorpresa".  Algunas de ellas son: nº 44, 45, 47 (Sturm und drang), nº 77 (Rondo-sonata), nº 82-87 (Periodo de París), nº 93-104 (Período de Londres).

 

MOZART

Compuso 41 sinfonías. En algunas de ellas se nota la influencia de Haydn, a quien Mozart admiró e incluso dedicó algunas de sus obras. En las sinfonías de Mozart se advierten estos rasgos:

  • gran profusión de ideas.
  • color: participación más activa de trompas, oboes, flautas y clarinetes.
  • simetría.
  • temas B contrastantes con temas A, al ser más líricos.

Como en Haydn, el Sturm und Drang le influencia (sinfonía nº 25) así como el Empfindsamer Stil y la Escuela de Mannheim. Algunas de sus mejores sinfonías de la época en Viena son las llamadas Haffner, Praga, Linz y Jupiter. Las 3 últimas las compuso en un mes y medio.

 

BEETHOVEN

De las nueve sinfonías que compuso solo las dos primeras se consideran de estilo clásico. Sus aportes son:

  • las codas extensas y el relieve dado a los instrumentos de madera en la primera sinfonía.
  • un adagio muy extenso en el primer movimiento, así como abundante material temático y sustitución del minueto por un scherzo en la segunda sinfonía.

 

LA FORMA  DE LA SINFONÍA  EN HAYDN

Desde Haydn, los tiempos o movimientos de la sinfonía se pueden generalizar así:

Primer movimiento

  • La sinfonía suele usar la forma sonata en su primer movimiento aunque en el caso de Haydn suelen ser monotemáticas (un sólo tema). Los segundos temas aparecen a veces en el desarrollo.

Segundo movimiento

  • Presenta varias estructuras: lied, sonata, tema y variaciones, etc.
  • Puede aparecer en el lugar del primer tiempo.

Tercer movimiento

  • Generalmente es un minueto que a menudo incorpora elementos folklóricos. La parte del trío es en la que se experimenta más.
  • Puede aparecer en el lugar del segundo tiempo.

Cuarto movimiento

  • Suelen tener forma de rondó o de sonata.
  • A veces aparecen fugas.
  • Usó por primera vez el rondó-sonata, es decir, una mezcla de las dos formas. En estas el desarrollo usa el contrapunto.

 

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO

  1. ¿De qué dos formas barrocas deriva la sinfonía clásica?
  2. ¿Quien es el "padre" de la sinfonía y cuántas compuso?
  3. ¿Qué aspecto de la música barroca se observa en algunas sinfonías de Haydn?
  4. Nombra algunas sinfonías conocidas de Haydn, por su opus o por su nombre.
  5. ¿Cuántas sinfonías compuso Mozart y qué compositor influencia algunas de ellas?
  6. Nombra 3 características de las sinfonías de Mozart.
  7. ¿Qué estilos pre-clásicos influencian las sinfonías de Mozart?
  8. Nombra  las tres sinfonías de Mozart que compuso en menos de 2 meses.
  9. ¿Cuántas sinfonías de Beethoven son de estilo clásico?
  10. Nombra 1 aspecto musical de cada sinfonía de Beethoven.
  11. Primer movimiento: ¿qué forma usa?
  12. Segundo movimiento: ¿qué estructuras usa?
  13. Tercer movimiento: ¿qué danza suele ser?
  14. Cuarto movimiento: ¿qué forma usa?

ACTIVIDADES 4.5

  1. ACTIVIDAD 4.5 DE COMPRENSIÓN DE TEXTO
    • Responder a las preguntas de la EXPLICACIÓN 4.5 copiando enunciados.

 

PARA SABER MÁS: Enlaces.

PINCHA AQUÍ PARA SABER QUÉ COMPUSO MOZART EN CUATRO DÍAS: MOZART


ACTIVIDADES DE RECUPERACIÓN (se hacen en casa y se entregan a parte)
ACTIVIDADES DE AMPLIACIÓN (se hacen generalmente en casa)
ACTIVIDADES DE DINÁMICAS DE GRUPOS (se hacen en grupos, en clase)
ACTIVIDADES PARA BILINGÜES (se hacen en clase)

AUDICIONES 4.5

HAYDN

MOZART

BEETHOVEN

 

PARTITURAS DE LAS SINFONÍAS

http://imslp.org

Tercer movimiento de la 1ª sinfonía de Beethoven (Minueto y Trio)
IMSLP13844-Beethoven_-_Symphony_No.1__Mv
Adobe Acrobat Document 920.4 KB

4.6 - El clasicismo en España

El clasicismo en España
4.6-EL-CLASICISMO -EN-ESPAÑA.pdf
Adobe Acrobat Document 40.7 KB

EXPLICACIÓN 4.6: EL CLASICISMO EN ESPAÑA

EL CLASICISMO EN ESPAÑA

Es la época de hombres tan conocidos como Francisco de Goya (pintor), Fernández de Moratín y Gaspar de Jovellanos (escritores). En 1788 muere Carlos III, quien reinó desde el 1759, un rey al que no le entusiasmaba la música. Ese mismo año comienza a reinar Carlos IV hasta el 1808 quien fue un rey culto y amante de la música.

 

EL MAJISMO Y ASPECTOS MUSICALES

Se asiste a una reivindicación de lo nacional con el fenómeno del majismo. El majo representa a un hombre de clase media, valiente, apasionado, cuyos gustos incluyen la música, las danzas, como boleros, fandangos, seguidillas y tiranas, así como la tauromaquia. El majo es lo opuesto al petimetre francés: hombre que vive para estar a la última moda, acicalándose continuamente. La aristocracia también asume el majismo en el final del XVIII.

 

En el clasicismo español se dan tres aspectos musicales en la sociedad:

  • Se desarrollan los conciertos públicos, además de la música para teatro, que tiene influencias italianas. 
  • La zarzuela, género español por excelencia pero que se parecía mucho a las óperas italianas, se reforma y sustituye los temas mitológicos por otros más populares. Juan Ramón de la Cruz es su principal autor.
  • En música sinfónica a partir de 1750 se introduce en España la música alemana de músicos como Haydn, y a principios del XIX se comienzan a conocer las óperas de Mozart.

 

GÉNEROS MUSICALES

Los géneros musicales españoles son:

  • Tonadilla escénica: consta de números musicales al estilo de los intermezzi italianos que se intercalaban en los entreactos de comedias. Nace por oposición a la ópera italianizante. Tuvo varias fases siendo la más importante del 1771 al 1790.
  • Villancicos: parecidos a las cantatas alemanas, es decir, música polifónica, que alterna aria da capo y recitativo. Este género comienza a decaer en este siglo y en  1765 se prohiben en los actos religiosos.
  • El melólogo: es de influencia francesa. Es una obra teatral para una persona que declama en endecasílabos mientras que la orquesta interpreta los sentimientos de los versos. Posteriormente los personajes aumentaron y dejaron de ser monólogos. 
  • Autos sacramentales: son obras de teatro litúrgicas.

Los géneros más universales son:

  • Oratorios: también llamados dramas sagrados. Son representaciones sobre eventos religiosos.
  • Música de cámara: cuartetos, quintetos sobre todo.
  • Música sinfónica, es decir para orquesta, sobre todo sinfonías y conciertos.
  • Ópera: no hay una ópera importante española, la mayor parte son obras italianas y se prohíben en 1799 por ser muy costosas.

 

FOCOS MUSICALES

Los focos más importantes de este período son:

  • Real Capilla, en Madrid,  en la que el público puede asistir libremente a actos litúrgicos.
  • Capilla del Escorial, en donde trabaja el Padre Soler, uno de los más reconocidos maestros españoles y maestro del hijo de Carlos III, el infante Gabriel.
  • La pequeña corte del hermano de Carlos III (Luis de Borbón), regida por el italiano Luigi Boccherini.
  • Las casas de los nobles como la Casa de Alba y la Casa de Benavente.
  • Academias y Sociedades de amigos del país en donde se representan conciertos  y óperas.
  • Los teatros, como el de Santa Cruz en Barcelona donde se representan óperas.

 

MÚSICOS

Destacan los siguientes:

  • El Padre Antonio Soler, en música para teclado.
  • Luigi Boccherini, en música de cámara, especialmente en cuartetos y quintetos de cuerda.
  • Fernando Sor y Dionisio Aguado, en guitarra cásica, con gran auge hacia final del siglo.
  • Pablo Esteve y Blas Laserna, ambos en tonadilla escénica y melólogo, el último.
  • Juan Ramón de la Cruz en zarzuelas.
  • Manuel García, como tenor de ópera y melólogo.

 

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO

  1. ¿Desde qué año y hasta qué año reinan los Borbones mencionados?
  2. ¿Qué características tenían los majos?
  3. ¿Qué tres aspectos sociales musicales se desarrollan en la época borbónica?
  4. ¿En qué aspecto se reforma la zarzuela?
  5. ¿De qué consta la tonadilla y a qué se parece?
  6. ¿Qué es un melólogo y qué destaca musicalmente en él?
  7. ¿Dónde trabaja el Padre Soler y quién fue su alumno?
  8. Nombra tres focos musicales a partir de 1750 incluyendo el del hermano del rey.
  9. ¿Qué se representa en el Teatro de Santa Cruz de Barcelona?
  10. Nombra por este orden: un tenor famoso, un zarzuelista, un guitarrista y un compositor de tonadillas.

 

AUDICIONES

BLAS LASERNA


PADRE SOLER

Luigi Boccherini. Quinteto de cuerdas, op.30,nº.6. IV. Los Manolos.
boccherini.mp3
MP3 Audio File 2.1 MB
Blas Laserna: de "El desengañado" tonadillas. (arr. E. Moreno)
Canción de Malbroue.
Tirana: como los perros sarnosos.
Blas-Laserna-1-canción-de-malbrue-2-como
MP3 Audio File 2.9 MB

ACTIVIDAD 4.6

  1. ACTIVIDAD 4.6 DE COMPRENSIÓN DE TEXTO
    • Responder a las preguntas de la EXPLICACIÓN 4.6 copiando enunciados.
    • Averigua quien es quien en las fotos, numéralas de izquierda a derecha. (2 REYES, 1 INFANTE, 2 GUITARRISTAS, 2 MÚSICOS, 2 PERSONAJES TÍPICOS, 2 ESCRITORES, 1 PINTOR)

4.7  La ópera seria y la ópera cómica 

La ópera seria y la ópera cómica
4.7.LA-OPERA.pdf
Adobe Acrobat Document 31.5 KB

EXPLICACIÓN 4.7: LA ÓPERA EN EL CLASICISMO: ÓPERA SERIA Y CÓMICA O “BUFFA”

LA ÓPERA EN EL CLASICISMO
En el clasicismo la ópera buscaba, tal como en los otros géneros, la simplicidad, la claridad, lo racional y la fidelidad a la naturaleza. Sin embargo, la ópera seria italiana, que aún era la más dominante, no representaba estos ideales puesto que en ella lo que prevalecía era música y no la acción dramática. Así, prevalecían las arias da capo que entorpecían la acción dramática junto con los castratti que se lucían en las arias con sus malabarismos vocales restando naturalidad y simplicidad al espectáculo.

 

Hacia mediados de siglo había dos modelos de ópera seria: el francés y el italiano.  

 

En paralelo a la ópera seria existía la ópera cómica (llamada buffa), muy popular en públicos no tan cultos como el aristocrático, con estilo más ligero que la ópera seria y con presupuesto más bajo. A partir de 1760 creció en importancia por ser más adecuadas a las exigencias de naturalidad del público. Sus elementos se incorporaron a la composición general de óperas.

 

DIFERENCIAS ENTRE LA ÓPERA SERIA Y LA CÓMICA ("BUFFA")

Ópera seria:

  • Temas mitológicos con escenas marciales o pastorales y ceremonias solemnes.
  • Personajes en parejas (amantes) más el "tirano magnánimo".
  • La resolución del drama con un acto heroico o una gran renuncia de algún personaje.
  • En 3 actos con alternancia de recitativos y arias.
  • Arias tipo soliloquios expresando sentimientos.
  • Pocos coros y algún dueto.
  • La orquesta acompaña, su papel es menor
  • Recitativo acompañado al clave e instrumento grave.
  • Recitativo "acompagnato" usaba la voz y la orquesta y se usaba para situaciones dramáticas importantes.

Ópera cómica o "buffa":

  • Temas mundanos, populares y estilo ligero; parodia con frecuencia a la ópera seria.
  • Personajes son burgueses y pueblo (condes, condesas, criadas y criados, etc).
  • Finales felices por el uso de la razón, no por la divinidad.
  • Reunión de todos lo personajes al final.
  • Se cantaba en la lengua nacional del país.
  • La música tiende a acentuar el lenguaje musical del país.

ÓPERA EN FRANCIA

El modelo operático serio francés venía de Rameau, que usaba elementos italianos como el aria da capo, y el bel canto, mezclados con rasgos franceses, como la declamación y el ballet. Los temas era mitológicos. En 1745 Rameau ya tiene elementos menos severos y anuncia el Rococó.

 

Por otro lado existía el modelo cómico (opéra comique) con diálogos hablados, en lugar del recitativo, y canciones (números musicales). Los temas eran de la vida cotidiana y del campo. André Grétry con más de 50 óperas y André Philidor, gran ajedrecista también, fueron importantes compositores.

 

En 1752 hubo gran polémica llamada "la querella de los bufones" entre los partidarios de los seguidores de Rameau y de los de la ópera buffa o cómica representados por Jean Jacques Rousseau que con su ópera "Le devin du vilage" (el adivino de la aldea) más "La serva padrona" (la criada patrona) del italiano Pergolessi desataron la polémica entre los dos bandos.

 

Posteriormente, Luigi Cherubini, sobretodo con la ópera "Medée", refleja los altos ideales del individuo, la lucha por una humanidad mejor. Es la época de la Revolución Francesa y el tema del horror es frecuente por los sucesos que vivía Francia.

 

ÓPERA EN ITALIA

La ópera seria italiana con temas mitológicos, alegorías, ilusión y escenas maravillosas representa la moral, la justicia, la pasión y el amor. En su concepción la música es lo importante en detrimento del drama. A mediados de siglo surgen críticas hacia este tipo de ópera y N. Jommelli y T. Traetta intentan una reforma de la ópera. Con esta reforma:

  • el aria da capo no se abandona, pero se modifica.
  • aria y recitativo se alternan más flexiblemente para que la acción sea más real.
  • el recitativo obligatto se usa más.
  • la orquesta se torna más importante.
  • aparecen los coros, antes olvidados en la ópera italiana.
  • se nota una resistencia generalizada ante las exigencias de los cantantes.

Este tipo de ópera fue reformada de nuevo por Gluck de manera que el drama era lo importante y la música se subordinaba al drama. Con Gluck la ópera representaba elevadas emociones humanas: rasgo típico del clasicismo.

 

GLUCK Y LA REFORMA DE LA ÓPERA EN  1770
Con C.W. Gluck, en Francia, (operas "Orfeo", "Alceste") la ópera cambia radicalmente y pretende que la música esté al servicio de la poesía para la mejor expresión de los personajes y del argumento. Por este motivo:

  • el aria es sustituida por canciones estróficas pues el aria da capo con su vuelta al principio no favorece el avance de la acción.
  • la división entre aria y recitativo se diluye en favor de una homogeneidad.
  • el recitativo "acompagnato" sustituye al "secco", pero es expresivo.
  • la música se usa para caracterizar personajes o situaciones, no es un fin en sí misma.
  • la obertura guarda relación con la obra, no es una pieza desconectada.
  • el coro y el ballet se integran en la obra, no son adornos.
  • la verosimilitud es importante. 

 

ÓPERA CÓMICA EN INGLATERRA
En Inglaterra la ópera cómica se identifica con la "ballad opera", género que se populariza enormemente tras el éxito en 1728 de la obra "The Beggars Opera" (La ópera del mendigo) de Johann Christoph Pepusch en la que se satiriza la ópera italiana al sustituir los personajes heroicos por mendigos, rateros y prostitutas. 

Thomas Arne es el compositor más notable de óperas cómicas, de tema romántico y sentimental. Arne destaca con más de 90 óperas, muchas de ellas perdidas en un incendio.

 

ÓPERA CÓMICA EN ALEMANIA
En Alemania a la ópera "buffa" se le llama "singspiel", de argumento ligero, los recitativos italianos se sustituyen por diálogos en alemán. El autor inicial en este género es Johann Adam Hiller. En el sur, en Viena, el estilo era animado y popular, influenciado por la ópera cómica italiana. En el norte el singspiel se asimiló a la ópera puramente alemana. 

Otro compositor es Karl Ditters von Dittersdorf más conocido por su música instrumental.

 

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO

  1. ¿Por qué la ópera seria italiana no representaba los ideales del clasicismo?
  2. Explica el auge de la ópera cómica.
  3. Nombra 3 características de la ópera seria y 3 de la cómica.
  4. ¿Quiénes hicieron la primera reforma de la ópera? ¿qué pretendían?
  5. ¿Qué hizo Gluck en relación a la ópera?
  6. Nombra 4 aspectos de la reforma de Gluck
  7. ¿Qué nombre recibe la ópera cómica en Inglaterra y Alemania?
  8. Nombra un compositor inglés y un alemán de ópera cómica

ACTIVIDADES 4.7

ACTIVIDAD 4.7 DE COMPRENSIÓN DE TEXTO (DOS OPCIONES, ELEGIR UNA)

  1. Realizar un mapa mental o un esquema completo de los países junto con los tipos de ópera y sus características.
  2. Responder a las preguntas de la EXPLICACIÓN 4.7

ACTIVIDADES DE RECUPERACIÓN 
ACTIVIDADES DE AMPLIACIÓN 
ACTIVIDADES PARA BILINGÜES

ACTIVIDAD DE DINÁMICAS DE GRUPO

  1. Buscar un libretto de ópera o una sinopsis de ópera. Redactar un diálogo corto de algún acto y representarlo en clase.
  2. Inventar un corto diálogo entre Gluck y partidarios de la ópera italiana en donde Glick defiende sus ideas.

AUDICIONES 4.7

MOZART

 

 

 

GLUCK

Orfeo y Eurídice: Danza de los espíritus bienaventurados

Ifigenia en Tauride:

Ifigenia en Aulide:

Orfeo ed Euridice:

 

Echo et Narcisse

Oberture

Alceste (1 de 7)

Aria

 

 

PERGOLESI

La serva padrona

 

CHERUBINI

Ifigenia en Aulide. Libretto.
iphigenie-en-aulide.pdf
Adobe Acrobat Document 2.0 MB