TEMA 5 - El Romanticismo

5.1 - Introducción y periodos.

Introducción y periodos
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EXPLICACIÓN 5.1: EL ROMANTICISMO: INTRODUCCIÓN Y PERÍODOS

INTRODUCCIÓN

El siglo XIX presenció la rápida expansión de las ciencias exactas y el método científico. Simultáneamente, la música reacciona en sentido contrario y se dirige hacia la frontera que separa la razón, del inconsciente. 

 

La música romántica toma sus materiales e inspiración de los sueños, los mitos y la literatura de poetas como Holderlin, Schiller y Goethe. Los románticos se nutren de lo sobrenatural, los misterios de la naturaleza inconmensurable, lo remoto de tiempos pasados medievales y lo extraño y bizarro. Con estas fuentes los románticos quieren transcender fuera de la realidad y tal vez por esto en las obras románticas hay un rasgo de nostalgia y anhelo hacia algo imposible de conseguir. 

 

Para ellos, la música instrumental es el arte perfecto porque no representa nada real, como podría ser un cuadro o una escultura figurativas. En contrapartida, se crea la música programática. En ella, la música narra una historia, o una poesía, pero para entenderla el oyente necesita un programa escrito que la explique. Un ejemplo es la "Sinfonía fantástica" de Berlioz, quien fue el primero que utilizó este género.

 

Economicamente, los compositores ya no dependen de los mecenas. Son más autónomos, pero para sobrevivir necesitan el público, que ahora es burgués, asiste a los conciertos públicos y festivales y además compra sus partituras para uso como aficionados a la música.

 

PERÍODOS DE LA MÚSICA ROMÁNTICA

Las raíces sociales y culturales del Romanticismo despuntan en el siglo XVIII (Sturm un Drang) pero es en el siglo XIX cuando definitivamente algunos hechos influyen en este movimiento. Destacan:

En el romanticismo musical se pueden observar cuatro períodos característicos:

  • Comienzos: desde fin del siglo XVIII  hasta 1830.
    • Beethoven (m.1827), Schubert (m.1828), Rossini (m.1868)
  • Apogeo: desde 1830 al 1870
    • Mendelssohn (m.1847), Chopin (m.1849), Schumann (m.1863), Bellini (m.1835), Donizetti (m.1848).
    • Berlioz (m.1869), Liszt (m.1886), Wagner (m.1883), Brahms (m.1897).
  • Post-Romanticismo: 1870 al 1914.
    • Mahler, R. Strauss.
    • Compositores nacionalistas: Glinka, Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky, Borodin, etc.
  • Prolongación hasta nuestros días, aunque no sea la corriente dominante.

 

CARACTERÍSTICAS ROMÁNTICAS GENERALES

El adjetivo romántico viene de "romance", cuyo significado era cuento medieval o poema en la lengua romance (vernácula), es decir, la lengua original del lugar. Lo romántico se asociaba con hechos legendarios, ficticios y fantásticos de un mundo ideal muy diferente al actual. Son características románticas las dualidades siguientes:

  1. Música - Palabras: la música instrumental era el medio ideal de expresión, sin embargo la música se orienta hacia la literatura y poesía, por esto, la música vocal como el "lied" es tan característica en el Romanticismo.
  2. Individuo - Audiencia: el compositor y su mundo interno y por otra parte su lucha interna para que su audiencia le entienda.
  3. Profesional - Amador: el gran virtuoso por un lado y la música en casa, en familia.
  4. Hombre - Naturaleza: la pequeñez del humano ante la todopoderosa naturaleza, esta última es fuente de inspiración para componer.
  5. Ciencia - Irracional: el auge de las ciencias exactas del siglo XIX y la fuente de inspiración de los sueños, mitos, lo misterioso y lo desconocido e irracional.
  6. Materialismo - Idealismo: el siglo XIX fue una época mayormente no religiosa, materialista, pero por otro lado la música romántica aspira a un ideal, no tanto de fé como de imaginación.
  7. Nacionalismo - Internacionalismo: se acentúan los estilos de cada país; hay un gusto por lo exótico. Por otra parte, la música se dirige hacia toda la humanidad.
  8. Revolución - Tradición: los románticos tuvieron un tinte revolucionario desde el principio, sin embargo miraban al pasado remoto y a la posteridad a la vez. Aceptaban que Mozart y Beethoven habían marcado un camino nuevo. Surge la musicología y el estudio de la historia de la música del pasado.

 

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO

  1. ¿De qué tres fuentes toma inspiración la música romántica?
  2. Nombra 4 aspectos importantes de inspiración para los románticos.
  3. ¿Por qué la música es el arte perfecto para los románticos?
  4. ¿Qué es la música programática y quien la utilizó?
  5. ¿Cómo ha cambiado la situación económica de los músicos en este período ?
  6. Sitúa a Beethoven, Schubert, Wagner, Lizst y Brahms en los 3 períodos del Romanticismo.
  7. ¿De dónde proviene la palabra "romántico"?
  8. ¿A qué dualidad pertenecen las frases siguientes?:
    1. "Expreso mi mundo interior, pero quiero que me entiendan"
    2. "El poder de la naturaleza ante lo pequeño del ser humano"
    3. "Frankenstein" es un ejemplo de ciencia dentro de lo bizarro.
    4. " Mozart es el pasado, pero le debemos mucho"
    5. "La música tiende a lo ideal e intocable en una era material"

ACTIVIDADES 5.1

  1. ACTIVIDADES 5.1 DE COMPRENSIÓN DE TEXTO
    • Responder a las preguntas de la EXPLICACIÓN 5.1 copiando enunciados.
    • Realiza el cuestionario 5.1 en Cerro Virtual.
  2. ACTIVIDADES DE RECUPERACIÓN
    1. Con tu nombre y apellidos, en un folio en blanco A4, de la EXPLICACION 5.1:  Realiza un resumen que tenga además un esquema de las dualidades.
  3. ACTIVIDADES DE AMPLIACIÓN
    1. Visitar: cuadros del Romanticismo
    2. Leer los extractos románticos de aquí.
    3. Poesías varios autores: http://amediavoz.com/
    4. Holderlin (poesías): http://amediavoz.com/holderlin.htm
    5. Heine (poesías): http://amediavoz.com/heine.htm
    6. Schiller (poesías): http://amediavoz.com/schiller.htm
  4. ACTIVIDADES DE DINÁMICAS DE GRUPOS
  5. ACTIVIDADES PARA BILINGÜES:
  • Write in English the translation of the 16 duality words from the EXPLICACIÓN 5.1
  • Find the names of three English romantic composers along with their dates of birth and death. 

AUDICIONES

SCHUMANN:

 

BEETHOVEN

 

NATURALEZA

 

REVOLUCIÓN

 

NOVENA SINFONÍA DE BEETHOVEN

 

BRAHMS

 

5.2 - La ópera romántica.

La ópera en el romanticismo
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EXPLICACIÓN 5.2: LA ÓPERA ROMÁNTICA

LA ÓPERA EN FRANCIA

Durante la primera mitad del siglo XIX París fue la capital de la ópera pues combinó las influencias de la reforma de Gluck, de la Revolución francesa y del Imperio napoleónico. Esto dio un modelo de ópera magnificente en los solos, corales y orquesta, llena de dramatismo en sus argumentos del tipo rescate, es decir, el héroe triunfa rescatando a la heroína, a veces incluso a costa de su vida. Un ejemplo es "La vestale" del italiano Spontini.

 

A partir de 1820 surge un tipo de ópera llamada "grand opera" que atraía a las clases populares, deseosas de diversión, en cuyos libretos se explotan los ballets, coros y grandes multitudes en el escenario.  El libretista principal de esta época es Eugène Scribe y entre los compositores destacan Giacomo Meyerbeer  con operas tales como "Robert le diable" y "Les Huguenotes", Daniel Eugéne Auber con "La muette de Portici", el italiano Giacomo Rossini con "Guillermo Tell" y Jacques Halevy con "La Juive".

 

LA ÓPERA EN ALEMANIA

Alemania no tenía una tradición de ópera como Italia o Francia. Lo más cercano era el singspiel, como la "Flauta mágica" de Mozart, por eso la ópera alemana tiende a la experimentación. Beethoven, por otro lado, solo compuso una ópera, "Fidelio", que fracasó en su época.

 

Los elementos que se dan en la ópera alemana son: argumentos sacados de leyendas, historia medieval y cuentos de hadas; uso de seres sobrenaturales; naturaleza salvaje y misteriosa con alguna escena de la vida rural. En estas óperas el destino de los hombres se mezcla con lo sobrenatural, como una lucha entre el bien y el mal en donde el triunfo del héroe representa lo angelical sobre lo demoníaco.

 

Musicalmente se usan melodías folclóricas mientras que el color orquestal y la armonía sirven para la expresión dramática. La ópera de Carl Maria von Weber ("Der Freischütz") encarna la típica ópera romántica.

 

Otros compositores de gran relevancia son Albert Lortzing y sobre todo Richard Wagner, quien crea una nueva concepción de la ópera en la que la música no cesa, es contínua,  y sirve directamente al drama al incorporar el "leitmotiv": un motivo o tema musical corto que al oirse repetidamente alude a los personajes, objetos, sentimientos, etc. Wagner se convierte en el mayor exponente de la ópera romántica alemana. Sus óperas más conocidas son: "Tanhauser", "Lohengrin", "El holandés errante", "Tristán e Isolda" y el ciclo de óperas de "El anillo de los Nibelungos".

 

LA ÓPERA EN ITALIA

Italia tenía una gran tradición de ópera muy establecida desde hace muchos años por lo que el movimiento romántico no fue tan permeable allí como en los países nórdicos. Como además era el único género importante, los compositores tuvieron una actitud más conservadora y no intentaron la experimentación tanto como en Alemania o Francia.

 

Destaca Rossini, que se caracteriza por ritmos punzantes y un flujo melódico inexhaustible. Las melodías y el estilo son poco sentimentales pero espontáneas y muy populares. Las óperas más importantes son: "Guillermo Tell", "Tancredi", "Otello", "La cenerentola", e "Il barbiere di Siviglia".

 

Otros son Donizetti (Lucia di Lammermoor), Bellini (Norma) y Verdi, siendo este último el compositor más importante para los italianos. En sus 26 óperas llevó la ópera italiana a una perfección no  superada por ningún otro. Verdi mantuvo un estilo libre de influencias extranjeras que en algunos momentos apelaba al patriotismo y a la unidad nacional. "Il trovatore", "La traviatta", "Aïda" y "Otello" son algunas de sus óperas más destacadas.

 

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO

  1. ¿Qué característica principal tiene la ópera de mitad del XIX francesa?
  2. ¿Qué es la "grand opera"?
  3. Nombra dos compositores de ópera romántica franceses y un libretista.
  4. Cita tres aspectos de la ópera romántica alemana.
  5. ¿Qué sucede con los héroes de las óperas alemanas?
  6. ¿Cómo se expresa el dramatismo en la ópera alemana?
  7. ¿Quien inventa el "leitmotiv" y qué es?
  8. Nombra tres compositores de ópera romántica alemanes.
  9. ¿Por qué razon los italianos románticos fueron más conservadores que los alemanes en relación a la ópera?
  10. ¿Quién compuso la ópera "El barbero de Sevilla"?
  11. Nombra dos compositores de ópera romántica italianos y el más importantes de todos.

ACTIVIDADES 5.2

  1. ACTIVIDADES 5.2 DE COMPRENSIÓN DE TEXTO
    • Responder a las preguntas de la EXPLICACIÓN 5.2 copiando enunciados.
    • Leer el libretto de "Der Freischütz" en www.karol.es los actos 1 y 2.
  2. ACTIVIDADES DE RECUPERACIÓN
    • Con tu nombre y apellidos, en un folio en blanco A4, de la EXPLICACION 5.2: En una tabla con cuatro columnas (características, compositores, títulos de ópera, otros aspectos) y tres filas (Francia, Alemania, Italia) rellenar con la información del texto.
  3. ACTIVIDADES DE AMPLIACIÓN 
  4. ACTIVIDADES DE DINÁMICAS DE GRUPOS
    1. En grupos de alumnos en los que cada cual representa un personaje de ópera, se leen las sinopsis de la óperas y, si es posible el libreto o parte de él. El trabajo que deberán presentar los alumnos a toda la clase es una descripción del personaje en 1ª persona y lo que le sucede en la historia. Por ej.: " mi nombre es Max, soy un cazador. Mi novia es ella, Agathe, con la que debo casarme, la suerte me ha abandonado porque...". Así con todos los personajes.
  5. ACTIVIDADES PARA BILINGÜES 

AUDICIONES 5.2

FRANCIA

SPONTINI

 

MEYERBEER

 

AUBER

 

ROSSINI

ALEMANIA

WEBER

 

ITALIA

BELLINI

  1. Comparar las versiones y hacer un breve comentario.

 

VERDI

5.3 - La música para piano. Piano y voz: el lied. Otras formas musicales.

La música para piano: piano y voz, el lied y otras formas
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EXPLICACIÓN 5.3: LA MÚSICA PARA PIANO: EL LIED Y OTRAS FORMAS MUSICALES

LA MÚSICA PARA PIANO 

En el siglo XIX el piano había sufrido grandes mejoras desde que apareció su antepasado en 1709, el pianoforte de Cristofori. El piano romántico, con más volumen, más ligero de tocar, más robusto en su armazón y con pedales, se sitúa como el rey de los instrumentos. Por sus características de timbre, rango dinámico (volumen), ser excelente para acompañar o en solos, consigue un lugar preeminente entre las preferencias de los compositores, sobre todo del primer período romántico. Beethoven, Chopin, Schubert, Liszt y Schumann componen gran variedad de obras para este instrumento y dan conciertos públicos mostrando sus obras.

 

En el Romanticismo surge la figura del virtuoso, que es el músico que toca excelentemente bien obras de gran dificultad. Algunos de ellos fueron pianistas realmente famosos en su época, como Dussek, Clementi, Cramer, Clara Schumann y Lizst, mientras que otros compositores como Schubert, Chopin, Brahms y Lizst interpretaron sus obras para darlas a conocer y así ganarse la independencia de los mecenas. 

 

FORMAS MUSICALES PARA PIANO

Entre las formas más destacadas para piano se encuentran obras de todo tipo:

  1. Pequeñas formas, ideales para transmitir el lirismo y sentimentalismo romántico: 
    • nocturno, balada, impromptu, bagatela, preludio, barcarola.
    • estudio: obra que se centra en un tipo de dificultad específica según el caso.
    • abundantes danzas: vals, polonesa y rondó, siempre muy estilizadas.
  2. Conciertos para piano y orquestausan la forma sonata, aunque expandida y no a la manera clásica, con la que se pretendía desvincularse.
  3. Como acompañante para la voz en la forma llamada lied (plural: lieder).
  4. Como interviniente en conjuntos instrumentales. Duos, tríos etc.
  5. Sonatas y fantasías: las sonatas y las fantasías son obras más extensas. Se componen en menor número que en el Clasicismo y no es la forma preferida, aun así Beethoven compuso 32 sonatas para piano solo.

EL LIED 

El lied (plural: lieder) es un género musical vocal con texto poético y acompañado, generalmente, al piano. Surge en Alemania y su antecedente es la balada alemana, que era una imitación de las "ballads" inglesas y escocesas y que consistían en largos poemas que alternaban diálogo y narración.

 

El rol del piano en el lied es de gran importancia ya que su función es ilustrar e intensificar el sentido de las palabras de la poesía y no ser tan solo un acompañamiento armónico de la melodía. El principal compositor de lieder es Franz Schubert con más de 600 lieder. Destacan también Schumann y Brahms.

 

Los lieder se agrupan en colecciones o ciclos de varias canciones con un tema común. Algunos son: "Viaje de invierno", "La bella Molinera" de Schubert y "Amor de poeta" de Schumann.

 

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO

  1. ¿Cuál fue el antecedente del piano, quién lo inventó y en qué fecha?
  2. ¿Por qué el piano triunfa en el Romanticismo?
  3. ¿Qué es un virtuoso? Nombra al menos dos de ellos, pianistas.
  4. Nombra, para piano, por este orden: dos formas pequeñas, dos danzas, una obra de género de voz y piano, una obra grande para piano.
  5. ¿Qué son los estudios para piano?
  6. ¿Qué es un lied?
  7. ¿Cuál es la función del piano en los lieder?
  8. Nombra 2 compositores importantes de lieder.
  9. ¿Qué es un ciclo de lieder?
  10. Nombra 2 ciclos de lieder: uno de Schubert y otro de Schumann.

 

ACTIVIDADES 5.3

ACTIVIDADES 5.3 DE COMPRENSIÓN DE TEXTO

  1. Responder a las preguntas de la EXPLICACIÓN 5.3 copiando enunciados.
  2. Realiza el cuestionario 5.3 en Cerro Virtual.

 

ACTIVIDADES DE RECUPERACIÓN

 

  • Con tu nombre y apellidos, en un folio en blanco A4, de la EXPLICACION 5.3: indicar el por qué de la importancia del piano en esta época, así como enumerar todas las formas musicales que se usaron con ese instrumento y los compositores que lo usaron. Explicar la forma lied en qué consiste.

 

ACTIVIDADES PARA BILINGÜES

AUDICIONES 5.3

DUSSEK

  1. Los sufrimientos de la Reina de Francia: https://www.youtube.com/watch?v=48lFAEFJUQ0

 

BEETHOVEN

  1. Lisitsa: Sonata op.27, nº2, 3er. mov: "Claro de luna": https://www.youtube.com/watch?v=zucBfXpCA6s
  2. Kempff: Sonata op.27, nº2, 3er. mov: "Claro de luna": https://www.youtube.com/watch?v=oqSulR9Fymg
  3. Horowitz: Sonata op.27, nº2, 3er. mov: "Claro de luna": https://www.youtube.com/watch?v=LQudyVEhmqA
  4. Gould: Sonata op.27, nº2, 3er. mov: "Claro de luna": https://www.youtube.com/watch?v=HoP4lK1drrA
  5. Sonata nº8, op.13 (Pathetique): https://www.youtube.com/watch?v=rqe9NjaK5BI

SCHUBERT: LIEDER

  1. Ciclo Viaje de invierno (subtitulado):
  2. La trucha, subs en inglés:
  3. Selección de lieder:
  4. Ave María:

 

SCHUBERT: PIANO

  1. Fantasía en Fa menor (Piano a 4 manos): https://www.youtube.com/watch?v=UruWMxY2OF4
  2. Fantasia "Wanderer": https://www.youtube.com/watch?v=7WIVTKXb8RI

 

 

CHOPIN

  1. Obras para piano (estudio, nocturnos, preludios, polonesa, valses): https://www.youtube.com/watch?v=wygy721nzRc
  2. Nocturnos (Maria Joao Pires): https://www.youtube.com/watch?v=nux1u8YCJ9c
  3. Estudio op.10, nº4 (Lang Lang): https://www.youtube.com/watch?v=8yjnLmv1hHU
  4. Estudio: https://www.youtube.com/watch?v=mUVCGsWhwHU
  5. Nocturno: Op.9, nº2 (Lisitsa): https://www.youtube.com/watch?v=tV5U8kVYS88

 

BAGATELAS

 

BARCAROLAS

 

Schubert: Viaje de invierno (texto en alemán e inglés)
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5.4 - La música instrumental: música de cámara y música sinfónica.

La música instrumental: de cámara y sinfónica
5.4 La música instrumental.Cámara-Sinfón
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EXPLICACIÓN 5.4: LA MÚSICA INSTRUMENTAL: MÚSICA DE CÁMARA Y MÚSICA SINFÓNICA

MÚSICA DE CÁMARA

La música de cámara es aquella que se realiza con conjuntos instrumentales pequeños. En el siglo XIX la música de cámara profesional ocupa un lugar importante en la vida diaria de la burguesía en los conciertos públicos y privados. En general, la música de cámara de este período no es muy audaz como lo fue el propio Romanticismo, tal vez por carecer de la expresividad que puede llegar a tener un piano solo o en los lieder.

 

Este género lo usaron compositores con tendencias más clásicas como Schubert y Brahms frente a otros más innovadores como Berlioz, LIszt y Wagner que no contribuyeron al género de cámara. Se usa, como no, el piano, con violín y violonchelo, con instrumentos de viento o con cuartetos de cuerda. Destacan los siguientes compositores:

  • Schubert: compuso 15 cuartetos de cuerda, 2 quintetos, 2 octetos, 1 noneto, 13 obras con piano y otros instrumentos y varias obras para cuerdas con viento metal, aparte de los lieder ya mencionados y otras obras.
  • Brahms: compuso 2 cuartetos de cuerda, 2 quintetos, 3 cuartetos para piano, etc. Con alrededor de una treintena de obras de gran calidad se erige como la gran figura de la música de cámara del Romanticismo.
  • Mendelsohnn: compuso 7 cuartetos de cuerda, 2 quintetos, 1 octeto, 1 sexteto para piano y cuerdas, dos tríos para piano y otras obras menores. Su obra es de gran fantasía, de estética clásica que parte de la obra de Beethoven.
  • Schumann: 3 cuartetos de cuerda, 1 cuarteto para piano y 1 quinteto para piano son las más importantes. Se destaca el uso del contrapunto en los desarrollos y la influencia de Beethoven.

 

MÚSICA ORQUESTAL

Partiendo de Beethoven, quien abrió un camino diferente en la música orquestal, surgen dos tendencias: una conservadora que es la que va hacia la música absoluta o pura y otra más progresista que es la que se dirige a la música programática. Ambas son contrapuestas. La primera no tiene relación con textos, ideas, o cualquier cosa que no sea la propia música. Por otra parte, la segunda, tiene por obejeto evocar ideas, imágenes, o aspectos fuera de la música (extramusicales): es música descriptiva.

 

El hecho de que los instrumentos mejoraran en calidad y precisión propició la importancia de la música para orquesta. La orquesta como "instrumento" aumentó las posibilidades expresivas que influyeron en el timbre, la forma musical y la armonía. Se trabajan orquestalmente las siguientes formas:

  • concierto para solista y orquesta
  • sinfonía y obertura de concierto
  • variaciones sinfónicas
  • poema sinfónico y suite sinfónica

Tendencia conservadora

  • Sinfonías del primer Romanticismo: Abarca toda la producción sinfónica de Beethoven (9 sinfonías), Schubert (9 sinfonías), siendo la "Sinfonía inconclusa" la más importante, la música de Mendelsohnn, con las sinfonías "Italiana" y "Escocesa" que aunque evocan paisajes son bastante clásicas, y Schumann, con 4 sinfonías.
  • Sinfonías del segundo Romanticismo: A partir de 1860 surgen una corriente conservadora como reacción al modernismo de Berlioz, Liszt y Wagner. Su mejor representante es Johannes Brahms (4 sinfonías). Su primera sinfonía la publicó tras trabajar en ella casi 20 años. Otro compositor es Anton Bruckner (9 sinfonías).

Tendencia progresista (música programática)

  • Sinfonías programáticas: En el campo sinfónico Berlioz es el principal compositor. Un ejemplo es la "Sinfonía fantástica",  que incluía un programa escrito que el oyente utilizaba para captar el argumento del texto que la música evocaba, así como la "idea fija": un fragmento musical que se repite y se transforma, y remite al personaje de la historia.
  • Poemas sinfónicos: llamados así probablemente por su contenido poético. De un solo movimiento, son obras de estructura libre, inspirados en cuadros, esculturas, dramas teatrales, escenas, pensamientos etc. Liszt es su principal compositor con doce poemas. Algunos títulos son: "La batalla de los Hunos" (cuadro), "Hamlet" (personaje de Shakespeare) y "Prometeo" (mito).

 

 

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO

  1. ¿Qué es la música de cámara y que lugar ocupa en el Romanticismo?
  2. ¿Qué compositores románticos no contribuyeron a la música de cámara?
  3. Nombra dos compositores románticos que haya escrito más de 6 cuartetos de cuerda?
  4. Nombra un compositor romántico que haya escrito cuartetos para piano.
  5. ¿Cómo se llaman las dos tendencias que surgen después de Beethoven?
  6. ¿Por qué la orquesta es más expresiva en el Romanticismo?
  7. Nombra un compositor de cada tendencia.
  8. ¿Qué 2 compositores románticos, a parte Beethoven, compusieron 9 sinfonías?
  9. ¿Qué es un poema sinfónico? Nombra 2 poemas sinfónicos.
  10. ¿Qué género utiliza Berlioz?

 

ACTIVIDADES 5.4

  1. ACTIVIDADES 5.4 DE COMPRENSIÓN DE TEXTO

    • Responder a las preguntas de la EXPLICACIÓN 5.3 copiando enunciados.

  2. ACTIVIDADES DE RECUPERACIÓN

  3. Con tu nombre y apellidos, en un folio en blanco A4, de la EXPLICACION 5.4: hacer un esquema que contenga los músicos de cámara indicando si contribuyen a la música de cámara, las tendencias de la música orquestal y sus compositores con sus obras.
  4. ACTIVIDADES DE AMPLIACIÓN

  5. ACTIVIDADES DE DINÁMICAS DE GRUPOS

  6. ACTIVIDADES PARA BILINGÜES

    1. Go to this link http://keepingscore.org/home visit the Romantic composers and read about the musical excerpts. Write a description of 20 lines or so about what you have listened and found on the page.
    2. Find out who is who:

AUDICIONES 5.4

MÚSICA DE CÁMARA

SCHUBERT

BRAHMS

 

 

MÚSICA SINFÓNICA

ACTIVIDADES 5.5

 5.5 El Romanticismo en España

5.5 El Romanticismo en España
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MÚSICA DE CÁMARA Y SINFÓNICA

En la primera mitad del siglo XIX en España no se nota un desarrollo de la música de cámara u orquestal como en otros países. A partir del la segunda mitad del siglo, gracias a las sociedades de musicales, como la Sociedad de Cuartetos o la Sociedad de Conciertos, se da a conocer la música de Schubert, Chopin, Haydn, Mozart, etc. La única música de cámara de calidad española fue la producida por Arriaga.

  • Juan Crisóstomo Arriaga, fue un compositor que murió a unos días de cumplir 20 años de edad. En su corta trayectoria compuso una veintena de obras, algunas de gran calidad como los tres cuarteos de cuerda y la "Sinfonía en Re". Estudió en Paris con grandes nombres como Fetis y Cherubini.

PIANO, VIOLÍN Y GUITARRA

Piano: El piano, rey de los instrumentos románticos, tuvo en España gran empuje en el campo de la interpretación. El pianista virtuoso suizo Thalberg dejó su huella en los pianistas Santiago de Masarnau y José Tragó, que influyeron sobre todo en la enseñanza del piano. Masarnau fue amigo de Chopin y fue el primero en editar obras de Beethoven en España. Tragó fue profesor de Manuel de Falla y Joaquin Turina

Violín: Desde el Barroco el violín se había establecido como indispensable en las orquestas. En el Romanticismo se dan dos caminos en las obras para violín. Por un lado obras de estilo virtuoso, al estilo de Paganini, y por otra parte obras estilo Beethoven, en donde prima el aspecto musical sobre la virtuosidad. Pablo de Sarasate y Jesús de Monasterio son los principales compositores.

  • Sarasate compuso 54 obras que incluyen al violín y destaca sobre todo como intérprete, con una soberbia técnica y sonido dulce. Recibió bastantes distinciones honoríficas y un Primer Premio de Violín del Conservatorio de Paris.

  • En cuanto a Monasterio su labor es principalmente educativa en la que destaca como profesor. Todos los violinistas del siglo XIX son directa o indirectamente discípulos de él. Triunfó en París como instrumentista. Compuso alrededor de 60 obras.

Guitarra: Fernando SorDionisio Aguado y Francisco Tárrega, fueron los grandes nombres del Romanticismo español. Los dos primeros pertenecen a la primera etapa romántica, Tárrega a la segunda mitad del XIX.

  • Sor compuso óperas, ballets y fue profesor. Publicó un método para guitarra y gran cantidad de obras para ese instrumento. Su estilo está influenciado por Haydn, Mozart y Beethoven. Como intérprete tuvo éxito en Francia, Inglaterra y Rusia. Por su posición política pro francesa se tuvo que marchar de España en 1813. En guitarra destacan sus 11 fantasías, 3 sonatas y el Gran Solo. Su obra se considera superior a la de Aguado.

  • Aguado fue amigo de Sor, conoció a Paganini y Rossini y fue un gran virtuoso de la guitarra. Al igual que Sor su aportación pedagógica es notable. Defendía tocar con uña, produciendo un sonido brillante, mientras que Sor lo hacía con la yema de los dedos sacando un sonido aterciopelado. Sus tres "Rondos brillantes" son obras importantes en el repertorio.

  • Tárrega es el gran impulsor de la guitarra que hoy día conocemos. Su carrera como virtuoso fue importante y sus transcripciones de obras de grandes intérpretes es numerosa. Compuso con un estilo "de salón" propio del XIX. "Recuerdos de la Alhambra" y "Capricho árabe" son algunas piezas más conocidas de su repertorio. Fue maestro de Miguel LLobet y Emilio Pujol, figuras importantes del siglo XX.

MÚSICA ESCÉNICA

A principios del siglo XIX los tres teatros de Madrid eran el Teatro de la Cruz, el Teatro Príncipe y el Teatro de Los Caños del Peral, que se sustituye por el Teatro Real en 1850 en el que se representa repertorio italiano. Otro teatro importante era el de la Zarzuela en el que se estrenan zarzuelas obras de Bretón, Caballero, Chapí, Jiménez y Falla. Óperas y zarzuelas se representan en Teatro del Circo, Teatro del Instituto, Teatro de Variedades y Teatro Apolo

 

ÓPERA

En España la influencia de la ópera italiana fue enorme y tal vez por esto, no se desarrolló una ópera propia española. Se distinguen dos tipos de óperas en los compositores españoles:

  • Óperas al estilo italiano, influenciadas por Rossini, como "El convidado de piedra" de Ramón Carnicer. Otros fueron José Melchor Gomis y Baltasar Saldoni.

  • Óperas españolas: "Marina", que era una zarzuela que transformó en ópera Emilio Arrieta, y "Los amantes de Teruel" de Tomás Bretón son las dos óperas de mejor calidad que hubo. Bretón compuso cinco óperas y Arrieta tres.

ZARZUELA

El género de zarzuela es propio de la música española. Consta de texto hablado, no como la ópera en la que es declamado. Lo que la distingue de la ópera es el carácter marcadamente español conectado con el folclore campesino y urbano. Este último se da en el llamado género chico, un tipo de zarzuela más corta de esencia casticista madrileña. La zarzuela adquiere un valor no solo artístico sino testimonial de las costumbres de la vida popular en el XIX.

Los dos tipos principales de zarzuela son:

  • Zarzuela grande: en tres actos, con argumento dramático y complejo y que pueden incluir números a la italiana. Destacan Gaztambide, Arrieta y Barbieri con "Catalina", "Marina" y "El barberillo de Lavapiés" respectivamente.

  • Género chico: en un acto, con argumento costumbrista. Dentro de este género se incluyen el sainete (de acción sencilla), la revista (sin argumento desarrollado pero con hilo conductor) y obras que son como resúmenes de zarzuelas grandes. Destacan Bretón, Chapí, Chueca y Jiménez. 

  • Algunas zarzuelas de género chico conocidas son: "Pan y toros" (Barbieri), "Gigantes y cabezudos" (Caballero), "La verbena de la Paloma (Bretón), "La Revoltosa" (Chapí), "La Gran Vía" y "Agua azucarillos y aguardientes" (Chueca).

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO

  1. ¿Cuáles fueron las 2 sociedades que dieron a conocer la música europea en España?

  2. ¿Quién compuso la Sinfonía en Re, una de las grandes obras sinfónicas españolas del XIX?

  3. Nombrar 2 pianistas españoles del siglo XIX y especificar cuál de ellos editó música de Beethoven.

  4. Sor y Aguado: ¿quien de ellos tiene mejor obra musical?

  5. Explicar la diferencia de sonido entre Sor y Aguado.

  6. Nombrar 3 teatros del XIX y especificar cuál representaba obras.

  7. ¿Qué dos estilos de óperas se dan en España? Nombra una española.

  8. ¿Qué distingue realmente a la zarzuela de otros géneros como la ópera?

  9. ¿Qué diferencias hay entre la zarzuela grande y el género chico?

  10. Nombra 3 zarzuelistas y tres zarzuelas famosas.

ACTIVIDADES 5.5

  1. ACTIVIDADES 5.5 DE COMPRENSIÓN DE TEXTO

    • Responder a las preguntas de la EXPLICACIÓN 5.5 copiando enunciados.

  2. ACTIVIDADES 5.5 DE RECUPERACIÓN
  3. Con tu nombre y apellidos, en un folio en blanco A4, de la EXPLICACION 5.5:
    • explicar el papel de las sociedades musicales la ópera en España.
    • nombrar el compositor más importante español en música de cámara.
    • nombrar los pianistas en España y su rol principal.
    • resumir sobre violín y la guitarra en España.
    • indicar la diferencia entre género chico y zarzuela grande y nombrar sus compositores y sus obras.
  4. ACTIVIDADES 5.5 DE AMPLIACIÓN: Visita el enlace y anota 10 zarzuelas del Romanticismo en España: http://es.wikipedia.org/wiki/Zarzuela#Inter.C3.A9s_por_el_g.C3.A9nero
  5. ACTIVIDADES 5.5 DE DINÁMICAS DE GRUPOS
  6. ACTIVIDADES 5.5 PARA BILINGÜES

AUDICIONES 5.5

MÚSICA INSTRUMENTAL

J.C. ARRIAGA: Sinfonía en Re: https://www.youtube.com/watch?v=K_Q2L3jptaU

 

ÓPERA

  1. ARRIETA

 

GÉNERO CHICO:

  • "La Revoltosa": https://www.youtube.com/watch?v=_NEHrPMkjoM
  • "La verbena de La Paloma": "Dónde vas con mantón de Manila" (número musical): https://www.youtube.com/watch?v=9FBOIsBbWTM
  • "Las hijas de Zebedeo", El dueño de mis amores":   https://www.youtube.com/watch?v=ghR3pHwKg0I
  • "Agua azucarillos y aguardiente": https://www.youtube.com/watch?v=ZeVv3iuExmg
    • Desde el 2'59:
      • ¿Qué dice la carta que recibe Simona, la madre de Atanasia?
      • ¿Cuál es la situación económica de la madre y su hija?
      • ¿Qué profesiones se mencionan en los primeros 7 minutos?
      • ¿Quién es Serafin?
      • ¿Cuál es la profesión de Pepa "La seria" y qué plan le propone Serafin? (21' 10'')
      • ¿Cuánto son 100 pesetas, en duros y en reales?
      • ¿Qué personaje representa Vicente, el torero que entra en el 28'45'' y que está enemistado con Lorenzo?
      • ¿Cuántos números musicales tiene esta zarzuela?

TEMA 6 El Posromanticismo, el Nacionalismo y las vanguardias del siglo XX

6.1 El Posromanticismo y el Nacionalismo

6.1 El Posromanticismo y el Nacionalismo
6.1 EL POSROMANTICISMO-ELNACIONALISMO.pd
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EXPLICACIÓN 6.1: EL POSROMANTICISMO Y EL NACIONALISMO

EL POSROMANTICISMO

Wagner fue un músico romántico que ejerció gran influencia sobre los músicos europeos del último cuarto del siglo XIX. Como él, los músicos de esta época usan intensos cromatismos (uso de sostenidos y bemoles) en obras muy largas y complejas en su forma, que requieren recursos orquestales enormes, como grandes coros y muchos instrumentos. Son obras que siguen la tradición romántica pero que a veces tienen contenido programático. Los principales compositores son Max RegerGustav Mahler y Richard Strauss.

 

Gustav Mahler

Mahler, nacido en Bohemia, sigue la línea tradicional de Haydn-Mozart-Beethoven-Schubert-Schumann-Brahms-Bruckner en la que la sinfonía es una obra en varios movimientos determinada por principios de arquitectura musical en donde todo lo extramusical es secundario.

 

Compuso 9 sinfonías y una décima sin terminar.  Para muchos es el punto final de la tradición romántica y  es una referencia para la generación posterior de músicos vieneses. Algunas características de las sinfonías son:

  • Extensión y complejidad.
  • Uso de canciones y uso de la voz.
  • Cambios de tonalidad en los finales.
  • Uso de contenidos extramusicales o autobiográficos, por la identificación romántica de que el arte es la vida.

Richard Strauss

Al contrario que Mahler, Strauss, nacido en Munich, se adhiere a la corriente del poema sinfónico usada por Berlioz y Liszt. En los poemas sinfónicos el programa puede ser de tipo filosófico o de tipo descriptivo, aunque los primeros tengan elementos descriptivos.

  • Filosóficos: "Muerte y transfiguración","Así habló Zaratustra".
  • Descriptivos: "Las divertidas travesuras de Till Eulenspiegel" y "Don Quixote".

Otras obras importantes sinfónicas son: "Desde Italia", "Don Juan", "Macbeth", "Una vida de héroe" y "Sinfonía Alpina", asi como la ópera "Salomé".

 

 

EL NACIONALISMO

A finales del siglo XIX y principios del XX algunos compositores de los países considerados musicalmente periféricos, como Rusia, Noruega, Finlandia, Estados Unidos, Inglaterra, España, Hungría y Checoslovaquia comienzan a usar materiales que tienen un caracter nacional o regional. Los materiales incluyen sobre todo:

  • la música folclórica, con danzas, ritmos y melodías ajenas a la cultura occidental dominante de la época.
  • un colorido instrumental distinto y exótico.

Este tipo de música hace que se rechacen las formas musicales tradicionales cultas como la sonata y la sinfonía y se usen las danzas y canciones folclóricas, aunque estilizadas. Algunos de los compositores más importantes de los países de este estilo fueron: 

 

RUSIA:

  • Glinka, Tchaikovsky, Skryabin
  • El grupo de los cinco: Balakirev, Borodin, Cui, Musorsky y Rimsky-Korsakov

NORUEGA

  • Edward Grieg

FINLANDIA

  • Jean Sibelius

ESTADOS UNIDOS

  • Charles Ives
  • Posteriormente: George Gershwing, Aaron Copland

INGLATERRA

  • Vaugham Williams, Gustav Holst.

ESPAÑA:

  • Felipe Pedrell, Isaac Albéniz, Enrique Granados
  • Posteriormente: Manuel de Falla

HUNGRÍA.

  • Zoltan Kodaly, Bela Bartok

BOEMIA Y MORAVIA (CHECOSLOVAQUIA):

  • Bedrich Smetana, Anton Dvorak, Leos Janacek 

 

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO

  1. ¿Cuáles son las dos tendencias musicales más importantes del final del XIX?
  2. ¿Bajo la influencia de qué músico están los músicos posrománticos?
  3. ¿Cuál es la característica principal que usa el compositor posromántico?
  4. ¿Qué requieren las obras largas y complejas?
  5. ¿Cómo es una sinfonía según la tradición que seguía Mahler?
  6. ¿Qué representa Mahler para algunos?
  7. Nombra 3 recursos musicales usados por Mahler.
  8. ¿Qué corriente sigue Richard Strauss?
  9. ¿Cuáles son los dos tipos de poemas sinfónicos que se dan en Strauss? Nombra, además 2 títulos.
  10. Nombra una ópera de Strauss.
  11. ¿Qué materiales usan los compositores de los países periféricos?
  12. ¿Cuáles son los dos recursos usados por los nacionalistas y cuáles se rechazan?
  13. Nombra 1 compositor nacionalista de cada país y 3 españoles.

ACTIVIDADES 6.1

  1. ACTIVIDADES 6.1 DE COMPRENSIÓN DE TEXTO

    • Responder a las preguntas de la EXPLICACIÓN 6.1 copiando enunciados.

  2. ACTIVIDADES 6.1 DE RECUPERACIÓN
  3. ACTIVIDADES 6.1 DE AMPLIACIÓN:
  4. ACTIVIDADES 6.1 DE DINÁMICAS DE GRUPOS
  5. ACTIVIDADES 6.1 PARA BILINGÜES

AUDICIONES 6.1

POSROMANTICOS

 

 

NACIONALISTAS

 

 

 

 

 

 

HUNGRÍA

 

6.2 El nacionalismo en España

El Nacionalismo en España
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EXPLICACIÓN 6.2: EL NACIONALISMO EN ESPAÑA

Pedrell, Albéniz y Granados

El Romanticismo que había comenzado reivindicando la individualidad del sujeto derivó hacia la reivindicación de los pueblos. Surgen compositores en España que crean un auténtico lenguaje español. Ellos son Barbieri, Pedrell, Albéniz y Granados.

 

  • Felipe Pedrell: más que como compositor destaca como folclorista musicólogo e ideólogo. Elaboró un cancionero popular español de autores conocidos y anónimos. Participó activamente como crítico musical y ejerció un papel de guía en compositores posteriores. Es una figura muy importante en el nacionalismo español.

 

  • Isaac Albéniz: niño prodigio y gran aventurero desde los quince años. Destaca sobre todo su obra para piano, y en especial la "Suite Iberia" y la "Suite Española.  Murió a los 49 años y dejó atrás 5 zarzuelas, 3 óperas y abundantes obras para piano y escasa musica sinfónica.

 

  • Enrique Granados: murió en 1916 cuando un submarino alemán torpedeó el barco en el que viajaba. Destaca su obra para piano y dentro de ella sus 12 danzas españolas, y la serie Goyescas. Compuso zarzuelas y el poema sinfónico "Dante".

  

La Generación del 98 o de "Los Maestros".

De los músicos nacidos al final del XIX destacan:

  • Manuel de Falla (n.1876): Fue el más importante músico español, nacido en Cádiz y fallecido en Argentina. Guardó miles de cartas por lo que se sabe mucho de su vida. Estudió con Tomás Bretón y Felipe PedrellConoce a Albéniz, Ravel, Dukas, García Lorca y Picasso. Durante varias fases su obra recorre varios estilos. Vivió en Cádiz, París, Madrid y Granada:
    • andalucismo folclórico: zarzuelas y obras de piano para salón.
    • operístico-nacionalista: "La vida breve" (ópera)
    • impresionismo-nacionalista: "Trois melodies", "Noches en los jardines de España"
    • nacionalista-romántico: "El amor brujo", y "El sombrero de tres picos" (ballet)
    • neoclasicismo-nacionalista: "El retablo de Maese Pedro", y el "Concierto para clave y cinco instrumentos".
  • Conrado del Campo (n.1878): su obra es de estilo nacionalismo-universalista. Su modelo era Richard Strauss  y el poema sinfónico. Compuso, además, 17 cuartetos de cuerda.

 

  • Joaquin Turina (n. 1882): pianista, tras conocer a Albéniz en París su obra se torma andalucista. 

Otros son nacidos en 1886 son: Jesús Guridi, quien tiene obra con rasgos del folclore vasco; Julio Gómez, que desarrolla un romanticismo tardío con rasgos nacionalistas y Oscar Esplá, de rasgos levantinos.

 

La Generación del 27: El grupo de los ocho

Se llama así a los músicos y musicólogos nacidos alrededor del 1900. Ellos eran la vanguardia de la música en España. Había dos grupos, el de Madrid y el de Barcelona. En el grupo de Madrid, llamado Grupo de los ocho, incluye a:

  1. Ernesto Halffter, estudió con Falla, obras en estilo neoclásico y nacionalistas.
  2. Rodolfo Halffter, vivió en México en donde compone en estilo dodecafónico y serialista, sin olvidarse de lo español.
  3. Salvador Bacarisse: estudia con Del Campo; su obra pasa por muchos estilos.
  4. Fernando Remacha: estudia con Del Campo; se orienta hacia lo italiano más que a lo francés.
  5. Julián Bautista: estudia con Del Campo; de rasgos neoclásicos. Vivió en Argentina.
  6. Gustavo Pittaluga: estudia con Esplá; de estilo neoclásico, su ballet "La romería de los cornudos" es de lo principal.
  7. Rosa García Ascot: vivió hasta los cien años, estudió con Pedrell, Falla y Granados. Destaca su labor como pianista.
  8. Juan José Mantecón: fue pianista y sobretodo crítico musical defensor de la música de vanguardia en España.

En el grupo de Barcelona destacan:

  • Roberto Gerhard: de origen suizo, pero catalán en su cultura, estudió con Shönberg. Vivió en Inglaterra. Sus rasgos nacionalistas se acentúan en un estilo neoclasicista-casticista y folclore de Cataluña.
  • Federico Mompou: destaca su obra para piano de estilo impresionista.

 

Las sociedades corales y las sociedades filarmónicas

El siglo XIX no había sido musicalmente importante en España, exceptuando el fenómeno de la zarzuela. Entrado el siglo XX a la burguesía española por primera vez parece importarle la música. Las sociedades corales y filarmónicas se extienden en el mundo obrero y el burgués respectivamente. Las sociedades corales nacen en Cataluña (Orfeón catalán) y se extienden al País Vasco (Orfeón Donostiarra). Las filarmónicas nacen en el País Vasco y se extienden a Cataluña, Galicia y Levante. Con estas sociedades se difunde la música en nuestro país.

 

Se crea la Orquesta Sinfónica de Madrid (1904), la de Barcelona (1910) y la Filarmónica de Madrid (1915). La crítica musical está en su edad de oro entre el 1918 y el 1936.

 

 

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO

  1. ¿Qué quieren reivindicar los músicos en esta época?
  2. ¿En qué destaca y qué papel ejerce Pedrell en el nacionalismo español?
  3. ¿Cuál es el instrumento musical principal en la obra de Albéniz y Granados?
  4. Nombra, por este orden: una ópera, un ballet y un concierto de M. Falla.
  5. ¿Qué otros 5 músicos a parte Falla son de la generación del 98?
  6. Nombra los apellidos de los músicos del grupo de los ocho.
  7. ¿Qué tienen en común Bacarisse, Remacha y Bautista?
  8. ¿Qué estilo aparte el nacionalista se da en el grupo de los ocho?
  9. ¿Quién de todos los ocho fue crítico musical?
  10. ¿Quiénes sobresalen en Barcelona y quién destaca en piano?
  11. Explica brevemente el papel de las sociedades de coros y orquestas.

ACTIVIDADES 6.2

  1. ACTIVIDADES 6.2 DE COMPRENSIÓN DE TEXTO
  2. ACTIVIDADES 6.2 DE RECUPERACIÓN (se hacen en casa, se entregan a parte)
  3. ACTIVIDADES 6.2 DE AMPLIACIÓN (se hacen generalmente en casa)
    1. Visita: http://www.manueldefalla.com/
    2. Catálogo de obras: http://www.manueldefalla.com/es/obras
    3. Visita el sitio web de la Fundación Juan March y elabora un pequeño trabajo sobre el Grupo de los ocho: 
    4. http://digital.march.es/clamor/en/fedora/repository/atm%3A929
  4. ACTIVIDADES 6.2 DE DINÁMICAS DE GRUPOS (se hacen en grupos, en clase)
  5. ACTIVIDADES 6.2 PARA BILINGÜES (se hacen en clase)

AUDICIONES 6.2

GENERACIÓN DEL 98

FALLA

 

CONRADO DEL CAMPO

 

 

JOAQUÍN TURINA

 

JESÚS GURIDI:

 

 

GENERACIÓN DEL 27

ERNESTO HALFFTER

 

 

RODOLDFO HALFFTER

 

SALVADOR BACARISSE

FERNANDO REMACHA

 

JULIÁN BAUTISTA

 

GUSTAVO PITTALUGA

ROSA GARCÍA ASCOT

ROBERTO GERHARD

FEDERICO MOMPOU

 

6.3 El Expresionismo y el Impresionismo

6.3 Las vanguardias: el Expresionismo y el Impresionismo
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EXPLICACIÓN 6.3 EXPRESIONISMO E IMPRESIONISMO

LOS COMIENZOS DEL SIGLO XX

Al comienzo del siglo XX conviven varios estilos en apenas veinte años. El final del XIX manifiesta el agotamiento cultural de Europa. Fue una época de crisis y cambios rápidos que desembocan en la Primera Guerra Mundial en 1914.

 

EL EXPRESIONISMO (La Segunda Escuela de Viena)

Es un movimiento artístico alemán cuyo interés principal es mostrar la experiencia interna del individuo. Difiere del romanticismo en el tipo de experiencia que quiere mostrar y en los medios para hacerlo.

 

El expresionismo quiere mostrar al hombre en su aislamiento, desvalido ante fuerzas que no comprende, presa de sus miedos, ansiedades, tensiones y todos los impulsos irracionales del subconsciente.

 

Los medios que usa son las 12 notas de la escala cromática. Es el llamado método dodecafónico en el que las notas se relacionan entre ellas sin que ninguna tenga más importancia que las demás. No hay tonalidad. Esto supuso la ruptura de tres siglos de tradición tonal que venía desde el Barroco.

 

Tampoco hay formas definidas. Se usa la disonancia continuamente. Las melodías no tienen lógica armónica y queda abolida la consonancia. Quien inició este movimiento fue Arnold Schoenberg. Otros músicos importante fueron sus alumnos Alban Berg y Anton Webern. Los tres forman la llamada Segunda Escuela de Viena.

 

EL IMPRESIONISMO FRANCÉS

En la tradición francesa la concepción musical es que la música tiene forma sonora en lugar de ser forma como expresión, como lo era en el expresionismo. Al final del XIX con Claude Monet surge en Francia en la pintura el movimiento impresionista, cuyo nombre se traslada a la música.

 

Al igual que en este arte, la música impresionista quiere captar y evocar sensaciones. Se centra en sugerir impresiones sensuales, atmósferas, ambientes, modos sutiles. Esto lo hace sobre todo a través del timbre, es decir: el color orquestal. Los títulos sugerentes de las obras también predisponen al oyente. Las principales maneras, entre otras muchas, para conseguir estos ambientes son:

  • La melodía: es a veces oriental. Usan melodías curvas que van por grado conjunto, es decir con notas consecutivas en la escala. La melodía consta de frases que se fragmentan y se diluyen. Usan escalas a distancia de tonos, sin semitonos.
  • El ritmo: se trata de evitar el compás, como si no hubiera métrica. Ellos decían "liberarse de la tiranía de la barra del compás".
  • La armonía: es modal, o sea, basada en los modos (escalas) medievales.
  • El timbre: cada instrumento tiene su función precisa. Se usan los timbres puros, es decir sin doblar por otros instrumentos. Las sonoridades se dispersan.

 

El principal exponente de este movimiento es Claude Debussy. Otros son Maurice Ravel y en menor medida el italiano Ottorino Respighi.  

 

EL ANTI IMPRESIONISMO

El músico Erik Satie y el dramaturgo Jean Cocteau crean un movimiento anti impresionista, con énfasis en lo objetivo, evitando las "nuances", es decir, los matices.

 

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO

  1. ¿Qué pretende mostrar el expresionismo?
  2. ¿Qué medios usa el expresionismo para mostrar su idea musical?
  3. ¿En qué consiste el método dodecafónico?
  4. Nombra 3 aspectos musicales del expresionismo.
  5. Nombra 2 compositores importantes expresionistas.
  6. ¿Qué pretende evocar el impresionismo?
  7. ¿Cuál es el medio principal del impresionismo para sugerir atmósferas?
  8. ¿Cómo es el ritmo y la armonía impresionista?
  9. ¿Quién fue el principal impresionista?
  10. ¿En qué consiste el anti impresionismo?

AUDICIONES 6.3

EXPRESIONISMO

SCHONBERG

 

 

IMPRESIONISMO

DEBUSSY

 

ANTI IMPRESIONISMO

SATIE

 

6.4 El neoclasicismo

6.4 El Neoclasicismo
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EXPLICACIÓN 6.4 EL NEOCLASICISMO

NEOCLASICISMO

La idea de volver a un pasado musical para buscar un nuevo orden no era nueva. La diferencia era que los compositores de esta época tenían conocimiento de muchos estilos anteriores, al contrario de otras épocas, como en el Barroco con la música griega, por ejemplo.

 

El movimiento neoclásico, que se dió en varios países,  pretendía no cortar con la tradición clásica de mantener los principios de equilibrio, objetividad y de música absoluta (en oposición a la programática) pero con el añadido del uso de la textura contrapuntística, las armonía diatónica y también cromática y el uso de imitaciones y otros rasgos de estilo como:

  • economía de medios.
  • citas musicales o alusiones a melodías de otros compositores anteriores.
  • uso de formas tradicionales (fuga, sinfonía, sonata).

RUSIA

En 1917 Sergei Prokofiev con su "Sinfonía nº1" muestra por primera vez el interés en la era clásica para un público amplio. Sin embargo, el principal compositor de este estilo es el ruso Igor Stravinsky, compositor que utilizó otros estilos pero que en 1923 compuso la obra "Octeto para instrumentos de viento" y que fue la primera obra que se considera importante del neoclasicismo. La "Sinfonía en tres movimientos" es otra obra muy característica de este estilo, sobre todo el 2º movimiento. Stravinsky mantuvo este estilo hasta 1954. 

 

FRANCIA

El estilo de Stravinsky influenció a los franceses Darius Milhaud, Francis Poulenc y Arthur Honneger, quienes revivieron el estilo "concerto grosso" del Barroco. En Francia a estos compositores junto con otros tres (Auric, Tailleferre y Durey) se les conoce como el "Grupo de los seis".

 

El músico Erik Satie y el dramaturgo Jean Coceau proclamaron un manifiesto en donde lanzan un ataque a la música del Romanticismo. El Grupo de los seis adopta esta nueva estética de música cotidiana. Algunos rasgos del Grupo de los seis son:

  • la melodía cobra importancia y con contornos nítidos (Tailleferre, Poulenc, Milhaud).
  • la armonía mantiene el sentido tonal aunque se aparte unos instantes del tono principal.
  • se simplifica el ritmo pero el compás es más metronómico.
  • no usan la música cromática por ser típica del Romanticismo.
  • usan la politonalidad (Milhaud), estridencias (Auric), disonancias (Poulenc y Tailleferre).
  • en el timbre buscan aislar al instrumento, como una gran orquesta de cámara.
  • timbres con sonoridades nuevas (de circo, de jazz) y se enriquece la percusión.
  • las obras son cortas.

 

ALEMANIA

Un ejemplo es la "Sinfonía Mathis der maler" (Sinfonía Matías el pintor) de 1934 compuesta por Paul Hindemith. Inspirada en cuadros del pintor renacentista Mathias Grunewald. La música de Hindemith se nutre mucho de melodias populares medievales alemanas, de contrapunto barroco, y contrapunto disonante. Usa la armonía con libre empleo de los doce sonidos pero con un centro. El timbre es cercano a Stravinsky y se inclina por la sobriedad. 
 

ESPAÑA

La etapa granadina (1920-1939) de Manuel de Falla en las obras "El retablo de Maese Pedro" sobre el Quijote, "Homeje a Debussy" para guitarra y el "Concierto para clave" muestran el estilo neoclásico matizado con el nacionalismo.

 

El siglo XVIII de Scarlatti y Soler inspiró a los compositores españoles. Los compositores de la Generación del 27, que ven el arte como un juego, sin consideraciones metafísicas, tienen en común que son antigermánicos, antirománticos, pro franceses, pro circo, entre otros rasgos. Destacan Ernesto Haffter (Sinfonietta) y Gustavo Pittaluga (La romería de los cornudos) 

 

OTROS PAÍSES

  • ITALIA
    • Obras de italianos, como "Scarlatianna" de Alfredo Casella y "Antiguas danzas y arias" de Ottorino Respighi se ajustan al estilo neoclásico. Otros son Malipiero y Dallapiccolla.
  • HUNGRÍA
    • El principal compositor es Bela Bartok, uno de los grandes del siglo XX. Pasó por muchos estilos. En cuanto al neoclásico usó relaciones tonales  de tónica y dominante y escalas diatónica, cromática, octatónica y tonos enteros. Una obra de este estilo es el "Concierto para violín".
  • INGLATERRA
    • Destaca la figura de Benjamin Britten, que usa el contrapunto en sus texturas. Una obra de este estilo es "Variaciones sobre un tema de Frank Bridge".

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO

  1. ¿Qué pretendían los compositores neoclásicos?
  2. Nombra tres rasgos neoclásicos y el tipo de armonía que usan.
  3. ¿Quién compuso el Octeto para vientos y qué representó está obra?
  4. Nombra los integrantes del Grupo de los seis.
  5. ¿Cómo eran las sonoridades del Grupo de los 6?
  6. Nombra el músico de Alemania  e indica qué toma del Barroco y de la Edad media.
  7. ¿Qué visión de la música tienen los españoles del 27 y qué tienen en común?
  8. Nombra un italiano y el húngaro más importante.
  9. ¿Cómo eran las escalas de Bela Bartok?
  10. ¿Quién fue Benjamin Britten y qué rasgo neoclásico utilizó?

ACTIVIDADES 6.4

  1. ACTIVIDADES 6.4 DE COMPRENSIÓN DE TEXTO
  • Responder a las preguntas de comprensión del texto.
  1. ACTIVIDADES 6.4 DE RECUPERACIÓN (se hacen en casa, se entregan a parte)
  2. ACTIVIDADES 6.4 DE AMPLIACIÓN (se hacen generalmente en casa)
    • El gallo y el arlequin (Cocteau)
  3. ACTIVIDADES DE DINÁMICAS DE GRUPOS (se hacen en grupos, en clase)
  4. ACTIVIDADES PARA BILINGÜES (se hacen en clase)

AUDICIONES 6.4

RUSIA

FRANCIA

ALEMANIA

Hindemith: Matias el pintor

 

ESPAÑA

ITALIA

  • Alfredo Casella:
    • Scarlatianna: https://www.youtube.com/watch?v=l5GM5K42a_4
      • ¿Los primeros cinco minutos de la obra a qué período de la historia musical te recuerdan?
      • ¿En qué segundo del minuto cinco se oye la cadencia perfecta?

HUNGRÍA

Bela Bartok: Concierto para violín

INGLATERRA

Britten: Variaciones sobre un tema de Frank Bridge

6.5 Música después de la Segunda Guerra Mundial: dodecafonismo, serialismo integral, música concreta, música electrónica.

6.5 Dodecafonismo, serialismo, música concreta y electrónica
6.5 DODEC-SERIAL-CONCRETA-ELECTRONICA.pd
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EXPLICACIÓN 6.5: MÚSICA DESPUÉS DE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL

DODECAFONISMO

Schoenberg había inventado el método dodecafónico en el que primeramente se tocaban los 12 sonidos cromáticos en un orden determinado llamado serie original. Seguidamente la serie debía tocarse al revés (retrogradación) y también con los intervalos invertidos (inversión). La inversión también se retrogradaba. La serie se podía usar como melodía o como armonía, y en cualquier octava. Algunas obras de esta época son "Serenata, opus 24" de Schoenberg  y el "Trio de cuerdas", opus 20 de Webern.

 

SERIALISMO INTEGRAL

Músicos como Messiaen también serializaron otros parámetros, como el timbre, las dinámicas, las duraciones, la textura, los silencios etc. El proceso compositivo se tornaba bastante matemático. Este tipo de música se caracterizaba por sonar:

  • como una serie de eventos sonoros impredecibles y sin repetir
  • como puntos de sonido sin tener pulso ni temas
  • sin progresiones o movimiento a puntos culminantes como se había venido haciendo desde el Barroco.

Los principales compositores son Olivier Messiaen en la obra "Modos de valores y de intensidades" y Pierre Boulez en "El martillo sin maestro".

 

MÚSICA CONCRETA

Con los nuevos avances tecnológicos, se hizo uso del fonógrafo y el magnetofón para combinar, modificar y almacenar sonidos naturales. El principal compositor es Pierre Shaeffer quien en el estudio de la Radio France en Paris en 1950 bautiza sus composiciones como música concreta. Los procedimientos que usaba eran manipular las cintas y modificarlas electrónicamente:

 

Manipular cintas

  • cambiar la velociad, invertir la dirección de la cinta, cortar y combinar cintas y superponer sonidos.

Modificación electrónica

  • filtrados para hacer los sonidos más o menos brillantes, reverberaciones y ecos, distorsión de sonidos.

 

MÚSICA ELECTRÓNICA

La música electrónica se produce y reproduce por medios electrónicos. Los sonidos se crean mediante osciladores electrónicos. Esta música genera y manipula sus propios sonidos, no usa sonidos naturales como lo hace la música concreta.

 

Para crear y manipular sonidos  se necesitaban estudios de grabación, como los que tenían las radios. Algunos estudios fueron el de la Radio de Colonia (Alemania), el Estudio de Fonología en Milán (Italia), otros en Londres, Tokio, Estocolmo, etc.

 

Las obras importanes de esta época son de Karlheinz Stockhausen (Study I, Study II, y Kontakte). Otros comositores son Luciano Berio, John Cage y Bruno Maderna.

 

Las consecuencias de este tipo de música fueron que los compositores dejaron de depender de los intérpretes y que en el estudio de grabación se tenía el control absoluto de lo que el compositor pretendía.

 

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO

  1. ¿Qué método inventó Schoenberg?
  2. ¿Cuáles son las cuatro fases del método dodecafónico?
  3. Nombra una obra dodecafónica de Webern.
  4. ¿Qué serializaban músicos como Messiaen?
  5. ¿Cómo sonaba una música de serialismo integral?
  6. Nombra dos compositores de serialismo integral.
  7. ¿En qué consiste la música concreta y quién fue uno de los principales autores de este estilo?
  8. ¿Cuáles son los dos procedimientos que usa la música concreta?
  9. ¿Qué sonidos usa la música electrónica y dónde era necesario hacerlos?
  10. Nombra los tres principales compositores de música electrónica sin contar a John Cage.

ACTIVIDADES 6.5

  1. ACTIVIDADES 6.5 DE COMPRENSIÓN DE TEXTO
    • Responder a las preguntas de la EXPLICACIÓN 6.5 copiando enunciados.
  2. ACTIVIDADES 6.5 DE RECUPERACIÓN
  3. ACTIVIDADES 6.5 DE AMPLIACIÓN
  4. ACTIVIDADES 6.5 DE DINÁMICAS DE GRUPOS
  5. ACTIVIDADES 6.5 PARA BILINGÜES

AUDICIONES 6.5

SERIALISMO INTEGRAL

WEBERN

Trio, opus 20: https://www.youtube.com/watch?v=DsjB3AvcRC4

 

 

MESSIAEN

Modes de valeurs et d'intensités (Modos de valores y de intensidades):

 

BOULEZ

Le mateau sans maïtre (El martillo sin maestro): 

 

MÚSICA CONCRETA

SHAEFFER

Etude des chemins de fer: https://www.youtube.com/watch?v=N9pOq8u6-bA

 

 

MÚSICA ELECTRÓNICA

STOCKHAUSEN

 

 

6.6 La música aleatoria, la música textural y la música estocástica

6.6 La música aleatoria, la música textural y la música estocástica
6.6 MÚSICA ALEATORIA,TEXTURAL Y ESTOCÁST
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EXPLICACIÓN 6.6: LA MÚSICA ALEATORIA, LA MÚSICA TEXTURAL Y LA MÚSICA ESTOCÁSTICA.

LA MÚSICA ALEATORIA  EN ESTADOS UNIDOS Y EUROPA

El uso del azar en la composición así como en la interpretación es denominado música aleatoria. Se desarrolló en la década del cincuenta aunque ha habido precedentes de forma ocasional (Cowell, Ives). La música aleatoria hace uso de la indeterminación, es decir, hay aspectos de la obra que no están totalmente determinados y pueden ser tocados de muchas maneras o dejados al azar total o parcialmente.

 

Estados Unidos

  • John Cage: para él, la música era una organización de sonido, y sonido era todo aquello que sonara, desde un violín hasta alguien tosiendo en el público. Su obra 4'33'' en el que el pianista cierra el piano y no toca una sola nota durante 4 minutos y medio, lo demuestra. Cage usó objetos no convencionales, como en las obras "Construction" de 1939, 1940 y 1941 y también, preparaba el piano con tornillos y gomas entre algunas cuerdas para cambiar la sonoridad convencional. 
  • Earl Brown: para él, la indeterminación se basa sobretodo en la interpretación, en donde la partitura adquiere diseños gráficos abstractos y el intérprete concibe la obra como una imporvisación. Un ejemplo es "December 1952". En la obra "Twenty five pages" y otras, el intérprete decide el orden del material a tocar. La obra tiene, pues, "forma abierta".

 

Europa

  • Stockhausen, Boulez y Lutoslawsky fueron los representantes europeos más notables de música aleatoria.
  • La obra "Zyklus" (1959) de Stockhausen está escrita en una partitura organizada en espiral en donde cualquier lado de la hoja puede ser el comienzo, pero que una vez comenzada sigue su curso hasta el lugar de inicio. Experimenta con la improvisación con instrumentos convencionaes y no convencionales, es la llamada "música intuitiva", que fue una reacción hacia la música excesivamente estructurada.
  • En Boulez la indeterminación es parecida a Stockhausen e incluso deja obras inacabadas a propósito. A partir del 1960 su interés por la indeterminación disminuye.

 

MÚSICA TEXTURAL

La textura musical es la cualidad sonora global que tiene una obra según se combinan los materiales (melódicos, armónicos, ritmicos). Algunos compositores a finales de la década de 1950 se centraron en métodos de composición que favorecieran este sonido "en grupo". Los compositores trabajan con los clusters, que son grupos de notas a distancias de semitono, lo cual, a oídos occidentales provoca una gran disonancia.

 

Los principales compositores son Ligeti, y Penderecki. Los clusters de Ligeti se forman por elementos separados que van cambiando sutilmente, como en "Atmosphères", mientras que los de Penderecki son bloques sólidos, como en "Threnody for the victims of Hiroshima".

 

MÚSICA ESTOCÁSTICA

Iannis Xenaquis, arquitecto y músico, criticó la música aleatoria por ser un abuso del lenguaje y anular la función del compositor. También criticó la música serial integral por ser autodestructora debido a su gran complejidad.

Xenaquis propone que la música llegue a un fin, pero siendo indeterminada en sus detalles. Utiliza fórmulas matemáticas así como estructuras de arquitectura y usa la teoría de la probabilidad y la teoría de los juegos en sus obras. En lo que él llama "nubes" o "galaxias" las notas individuales no tienen importancia pero la estructura general está cuidadosamente calculada. Obras importantes son: "Duel" y "Metástasis".

 

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO

  1. ¿Qué nombre recibe el tipo de música que usa el azar?
  2. ¿Qué es la indeterminación en música?
  3. ¿Qué dos cosas hizo John Cage en relación al piano?
  4. ¿Qué sucede en las partituras de Earl Brown y cómo afecta al intérprete?
  5. ¿Qué es la música intuitiva de Stockhausen?
  6. ¿Qué es la textura musical?
  7. ¿Qué es un cluster y qué provoca?
  8. Nombra un compositor textural y explica el cluster en la obra "Atmosphères".
  9. ¿Qué propone Xenaquis y como lo consigue?
  10. ¿Cita una obra de Xenaquis que use "nubes" o "galaxias".

 

ACTIVIDADES 6.6

  1. ACTIVIDADES 6.6 DE COMPRENSIÓN DE TEXTO
    • Responder a las preguntas de la EXPLICACIÓN 6.6 copiando enunciados.
  2. ACTIVIDADES 6.6 DE RECUPERACIÓN
  3. ACTIVIDADES 6.6 DE AMPLIACIÓN
  4. ACTIVIDADES 6.6 DE DINÁMICAS DE GRUPOS
  5. ACTIVIDADES 6.6 PARA BILINGÜES

AUDICIONES 6.6

ALEATORIA EN EEUU

CAGE

 

BROWN

 

ALEATORIA EN EUROPA

STOCKHAUSEN

BOULEZ

LUTOSLAWSKY

 

 

MÚSICA TEXTURAL

STOCKHAUSEN

LIGETI

 

PENDERECKI

 

MÚSICA ESTOCÁSTICA

XENAQUIS